Fancine y + biblioteca

Los espigadores y la espigadora, por Laura Valdés Cerdán, alumna 3er curso de Periodismo y Comunicación Audiovisual UC3M

2012-02-08T19:19:00.003+01:00

Los espigadores y la espigadora, película de Agnès Varda (2000)

El concepto del que parte la reflexión fundamental de esta película documental es el término espigar, que tomado en sentido amplio se refiere a tomar todo aquello que sobra y es desechado por no considerarse válido.

A partir de aquí Agnès Varda establece un paralelismo entre las espigadoras de antaño que recogían los granos de trigo y arroz sobrantes de la cosecha y los espigadores de hoy en día, que son todas las personas que recogen aquello que los demás desperdician, ya sean verduras y frutas, que pueden servir de alimento para personas sin recursos, electrodomésticos o cualquier tipo de objetos que reutilizados o reciclados todavía pueden tener una utilidad práctica o, incluso, artística.

Por tanto, este documental muestra un compromiso ético con la pobreza en el primer mundo y, sobre todo, provoca una profunda reflexión sobre las leyes del mercado y el derroche de las sociedades consumistas en las que vivimos. Además, propone al espectador que siga el ejemplo de muchas personas y se decida a espigar, a sacar provecho de lo que cree que no lo tiene en absoluto. Este hecho se refleja muy bien en el muchacho que trabaja como voluntario dando clases de francés a inmigrantes.

En el plano más técnico destaca la gran originalidad y espontaneidad que rezuma el documental, además de la utilización de planos originales y de una estructura bastante libre, aunque siempre cohesionada y con un discurso claro, en el que se hace referencia constante a obras pictóricas relacionadas con el oficio de espigar y se van mostrando diversas experiencias de personas de distintas ciudades. A menudo la directora, que actúa de narradora con su voz en off, se convierte en una protagonista más, sale en pantalla con su MiniDv o se graba a sí misma, dando a entender que ese documental es fruto de su propia construcción subjetiva de la realidad, de un enfoque determinado.

Ya de por sí un documental es percibido como una obra realista porque aparecen testimonios de gente corriente, se graba con luz natural, generalmente la calidad de la cámara es inferior que en el cine y todo esto nos hace percibirlo como más verosímil. No obstante, somos conscientes de que existe un montaje creativo que persigue transmitir un significado. No es resultado del azar, sino de decisiones meditadas. Laura Valdés Cerdán

Los espigadores y la espigadora en la biblioteca ....

Viernes de cine: Monsters

2012-01-12T19:54:00.005+01:00

La premisa de la que parte la película que hoy recomendamos, Monsters (2010) es, aparentemente, digna del buen cine catastrofista al que nos tienen acostumbrados directores como J.J. Abrams o Roland Emmerich: años antes del inicio de la trama se descubre vida extraterrestre en el Sistema Solar pero, al regresar a la Tierra, la sonda de la NASA que transportaba las muestras se estrella en México. Las nuevas formas de vida crecen vertiginosamente en el nuevo y cálido ambiente terráqueo y, seis años después, la mayor parte del territorio mexicano se ha convertido en una enorme zona en cuarentena infestada por gigantescas criaturas, vigilada por tierra, mar y aire por los ejércitos de Estados Unidos y México. La pareja de protagonistas, en lo que bien podría definirse como todo un viaje iniciático, deberá cruzar dicho territorio para poder alcanzar su destino.

Pero, como indicábamos en la primera línea con el "aparentemente", ésta no es sólo una cinta catastrofista sin más. Por ello, partiendo de esa base, puede resultar sorprendente que nos encontremos ante una película de amor delicada e intimista, que no deja con ello de sorprender durante todo el metraje al espectador.

En la Biblioteca os espera el DVD. Feliz fin de semana.

Nacho Larrea

Viernes de cine: La verdadera historia del cine

2011-12-15T20:04:00.003+01:00

Hoy día la herencia del director neozelandés Colin McKenzie es mundialmente reconocida y él mismo no necesita presentación, pero cuando Peter Jackson presentó su documental La verdadera historia del cine (Forgotten silver), supuso una conmoción tan grande que la historiografía cinematográfica todavía no se ha recuperado del todo. Baste decir que cuando el mundo descubrió que un neozelandés prácticamente anónimo había descubierto por su cuenta el cine sonoro, el cine en color, el travelling, el primer plano, etc., supuso una sorpresa difícil de digerir en un primer momento.

En su aclamado documental Peter Jackson nos relata en primera persona su sorpresa al descubrir, ni más ni menos que en el cobertizo de su vecino, material inédito de aquel genio hasta entonces olvidado, y el largo proceso que a partir de ese momento llevó a cabo para reivindicar su figura, hasta culminar con su reconocimiento póstumo a nivel mundial y el histórico estreno -con casi setenta años de retraso- de su obra magna, Salomé. En definitiva, todo un maravilloso ejercicio de estilo para quien desee disfrutarlo.

En la Biblioteca os espera el DVD. Buen fin de semana a todos.

Nacho Larrea

Viernes de cine: Un cadáver a los postres

2011-11-24T16:04:00.000+01:00

Mi recomendación de este viernes es Un cadáver a los postres, divertidísima sátira de las novelas y películas "de detectives", considerada como toda una obra de culto por muchos aficionados al género del humor. En ella nos encontramos a gigantes de la pantalla como Alec Guinness, David Niven, Peter Sellers, Peter Falk, entre otros, e incluso al mismísimo Truman Capote, en la que fue su única actuación en una película.

Un excéntrico multimillonario -interpretado por el propio Truman Capote- invita a pasar un fin de semana en su tenebrosa mansión a los cinco detectives más famosos del mundo para proponerles resolver un misterio, tentándoles con la suma de un millón de dólares para el ganador. Los personajes de los detectives recrean, cada uno por su lado, los estereotipos tanto literarios como cinematográficos de los grandes héroes del género, desde Charlie Chan a Hércules Poirot. En definitiva, un largometraje que ningún amante de la comedia paródica puede perderse, y cuya edición en DVD os espera en la Biblioteca.

Como anécdota, sólo añadir que la secuencia de animación de los créditos de inicio fue realizada por Charles Addams, el creador de los cómics de La Familia Addams, que dieron lugar a la serie homónima de televisión y que, aunque de ella hablaremos en su momento en nuestro blog Seriemanía, también está disponible para todos vosotros en la Biblioteca.

Buen fin de semana a todos.

Nacho Larrea

Viernes de cine: O Brother, where art thou!

2011-10-27T19:22:00.001+02:00

Este viernes mi recomendación es O Brother!, el maravilloso largometraje de los hermanos Coen. Pese a que, evidentemente, no resulta una adaptación tan purista y fiel a Homero como el telefilm La Odisea, la película que nos ocupa también tiene maravillosos detalles que no deberían pasarse por alto: un desdichado Ulises que hace lo que puede por volver al hogar, cruzando en esta ocasión un amplio Mississipi en lugar de un Mediterráneo; compañeros de viaje transformados por brujería en animales; hermosas sirenas cuyos cantos hechizan a los viajeros; reencuentros con viejos amigos muertos, aunque esta vez fuera del Inframundo; comedores de loto que prefieren olvidar para volver a empezar; un malvado cíclope, con sus compinches ciclópeos, que es cegado por una enorme antorcha ardiente; un "rey" Agamenón más que ensimismado en lograr su objetivo, el poder, y que no dudará en emplear al famoso Ulises, el de los muchos recursos, aquel cuyas hazañas cantan los bardos, para sus fines. Ahora Penélope, en lugar de un hijo y muchos pretendientes, tiene muchas hijas y un solo pretendiente, pero sigue sin [querer] reconocer a su marido quien, por su parte, tiene claro que bien le conviene fingir otra identidad hasta el apoteósico final. Y muchos más guiños que, sin duda, me dejo en el tintero.

Afortunado Ulises: no es tan rico como Agamenón o Menelao, no es tan fuerte como Aquiles o Áyax, ni siquiera es tan sabio y prudente como Néstor, pero tiene algo que los demás no tienen: su ingenio, y es gracias a su ingenio que los griegos tomaran Troya y que esta película tuviera dos nominaciones a los Óscar, aunque no le dieron ninguno. Desdichado Ulises.

En la Biblioteca os espera el DVD. Buen fin de semana a tod@s.

Nacho Larrea

Visita al Festival de Sitges por Nacho Larrea, bibliotecario en la UC3M

2011-10-19T16:58:00.009+02:00

Después de varios años deseando ir al Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, finalmente conseguí asistir a esta última 44ª edición. Debo precisar que, por un lado, sólo pude estar presente en la segunda mitad del Festival y, por otro, que aparentemente la gente es mucho más rápida que yo a la hora de comprar entradas por Internet, por lo que no tuve oportunidad de ver todas las películas que hubiera querido. A continuación haré unas breves citas de las que sí tuve oportunidad de disfrutar.

Transcendent Man, el inquietante documental sobre la vida del inventor y visionario Ray Kurzweil, nos acerca a una de las figuras más polémicas de los últimos tiempos en cuanto a las previsiones sobre el futuro de la especie humana se refiere.

Extraterrestre, el segundo largometraje de Nacho Vigalondo, consigue algo que, en mi humilde opinión, nunca nadie había logrado hasta la fecha: combinar una invasión alienígena con una comedia romántica de enredo. Sencillamente espectacular. Si alguien aún no ha tenido oportunidad de ver la ópera prima de este director, los Los cronocrímenes, que no olvide que el DVD le está esperando en la Biblioteca de la Universidad.

Ni que decir tiene que a los puristas del cine de artes marciales no defraudará Shaolin de Benny Chan, peso pesado de la Industria de Hong Kong. Pese a que la duración de la cinta podría parecer excesiva a algunos, el delicioso cameo de Jackie Chan sin duda lo compensa con creces.

Poulet aux prunes, de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, se nos muestra como un hermoso cuento de tradición persa en el Irán prerrevolucionario. De Satrapi, quien no necesita presentación, podréis encontrar en la Biblioteca de la Universidad, además de su largometraje Persépolis, sus obras gráficas Persépolis, Bordados y Pollo con ciruelas, en el que se basa la película presentada en el Festival.

Por su parte, la coproducción argentino-hispano-colombiana El páramo, de Jaime Osorio Márquez, y la estadounidense Apolo 18, de Gonzalo López-Gallego, ahondan agradablemente en la ultimísima oleada zombie y en la siempre rentable ciencia ficción conspirativa, respectivamente.

La película noruega The Troll Hunter prosigue felizmente la tendencia iniciada a finales de los años noventa con The Blair Witch Project, de falso documental con cámara en mano aunque, por supuesto, con un despliegue de efectos especiales abrumador.

Drive, del director Nicolas Winding Refn, largometraje de cine negro con deliciosas referencias al cine de los años ochenta, nos presenta a un interesantísimo protagonista increíblemente brutal a la vez que increíblemente tierno. Los amantes del cine de coches y velocidad sin duda agradecerán esta cinta.

The artist, de Michel Hazanavicius, delicado relato dedicado a las dificultades que tuvieron la inmensa mayoría de los actores del cine mudo para adaptarse al sonoro, se convierte en un hermoso ejercicio de estilo y en un digno monumento a todos aquellos actores que quedaron atrás.

El largometraje de animación Tatsumi, del director Eric Khoo, nos presenta la vida del historietista Yoshihiro Tatsumi, peso pesado del manga japonés, cuya obra es indispensable para todo aquel que quiera aproximarse a la novela gráfica del país nipón.

A lo largo de las próximas semanas iré añadiendo nuevas entradas en las que intentaré analizar, de forma más amplia, y por supuesto comentar con tod@s vosotr@s, las películas aludidas en líneas superiores. Un saludo y espero veros en el Festival del próximo año.

Nacho Larrea

El curioso caso de Benjamin Button, por Rebeca Lamas García, alumna de la UC3M

2011-06-28T17:21:00.001+02:00

El curioso caso de Benjamin Button es una película dirigida por David Fincher y protagonizada por Brad Pitt, Cate Blanchett, Tilda Swinton y Jason Flemyng.

Basada en un relato de F. Scott Fitzgerald, cuenta la historia de Benjamin Button (Brad Pitt), un hombre que nace en peculiares circunstancias: con el cuerpo de una persona de 80 años y que a medida que pasa el tiempo va rejuveneciendo. Su reloj biológico funciona al revés que el de una persona normal. En su nacimiento, el padre al ver semejante criatura después de que su mujer muriera en el parto, decide abandonarlo en un portal ante el rechazo de tener que cuidar un bebé asi. Allí es encontrado por Queenie, una criada negra que se encarga de un asilo de ancianos. Ella cuidará al niño como si de una bendición se tratase. El problema de Benjamin es que mientras el rejuvenece.. el mundo a su alrededor se hace mayor y muere.

Os seguiría contando el argumento, pero en mi opinión, se trata de una de las mejores películas que he visto y me gustaría que tuvierais el placer de verla y compartir conmigo la misma idea o decirme el por qué no está tan bien como digo. Quizás, debido al tiempo que dura, puede hacerse un poco larga para alguien, pero tanto el argumento como los actores escogidos para ella hacen del film una gran obra.

Respecto a nominaciones, “El curioso caso de Benjamin Button” ha sido nominado a numerosas categorías en diferentes premios, pero no ha tenido la suerte de haber ganado todos ellos. Sin ir más lejos, en la ceremonia de los Oscar la película era nominada a nada más y nada menos que 13 estatuillas doradas, de las cuales solo consiguió tres: Mejor dirección artística, mejor maquillaje y mejores efectos visuales.

Terminando ya con esta entrada, además de incitaros a verla, me gustaría saber si a vosotros os gustaría tener la oportunidad de cambiar vuestro rumbo y ver la vida del otro lado, es decir, ¿Hubierais preferido nacer viejos y al final de la vida disfrutar de la juventud? ¿O por el contrario os parece más justo la cronología en la que vivimos ahora?

El curioso caso de Benjamin Button en la biblioteca

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American History X, por Javier López Marín, alumno de la UC3M

2011-06-17T17:48:00.000+02:00

American History X, dirigida por Tony Kaye, es un crudo relato, de 115 minutos de duración, cuya excusa es la violencia neonazi en los Estados Unidos de América, y por extensión, a cualquier lugar del mundo actual.

Considerada como la crítica por excelencia contra el neofascismo actual, American History X nos cuenta la historia de Derek Vinyard, interpretado por Edward Norton. Derek es un joven americano, que a raíz de la muerte de su padre a manos de una pandilla de jóvenes negros, se convierte en parte de una panda de jóvenes neonazis. Derek se convierte el modelo a seguir para todo el grupo, e incluso para su hermano pequeño Danny Vinyard (Edward Furlong).

A raíz de la muerte de su padre, se crea un clima de inestabilidad y violencia en su casa, que culmina en una noche que Derek asesina a dos jóvenes negros que intentaban robarle la camioneta. Debido a estas muertes, el protagonista entra en prisión.

Es en prisión donde Derek resulta rehabilitado, no por la propia estancia en la cárcel en sí, sino por lo que allí observa y vive:

- Las bandas neonazis de la prisión: Derek se dio cuenta de que todo aquello en lo que creía era una farsa, al mantener relaciones estas bandas con personas a las que, en principio, odiaban profundamente (negros). Derek comienza a ver que quizás sus ideales no eran tan correctos como creía.

- La relación con un chico negro compañero de la prisión, le hace ver que lo importante era la persona en sí, no su raza o su ideología.

Estos dos elementos hacen a Derek recapacitar, y se da cuenta de que quizás estaba equivocado. Y es aquí donde la película realmente comienza, cuando Derek sale de la cárcel y ve que su hermano pequeño está siguiendo sus mismos pasos en un intento por emularle. Derek asume el papel del padre ausente, buscando la unidad del núcleo familiar que él mismo rompí, con el fin de intentar salvar a su hermano de cometer los mismos errores que él, y la película va mezclando el presente con el pasado. En el presente trata de ser mejor persona de lo que era y salvar a su hermano; mientras que el pasado son todos esos recuerdos que Derek tiene de la cárcel o de su vida anterior.

Intensa, violenta, dura, cruda, pero con un mensaje arrollador, American History X te tendrá pegado al sofá hasta su momento final, envolviéndote en una espiral de violencia y odio, pero a la vez que te muestra que toda persona tiene oportunidad de recapacitar.

American History X es una producción de 1998 en la que podemos destacar, en cuanto a su estructura y a su estilo visual, la manera en la que está montada la historia. Hay dos partes, una en blanco y negro que representa la vida pasada de Derek, cuando era el líder de un grupo neonazi y otra en color que representa la nueva vida del protagonista, en la que intenta dejar atrás el pasado y llevar una vida normal con su familia. Esta dualidad te hace saltar de un momento del tiempo a otro, haciéndote ver porqué muchas cosas que suceden en el presente, tienen relación con el pasado.

Debido a esta forma, digamos bipolar, de desarrollar la película, es una verdadera obra de arte.

Además, hay que destacar los personajes de la película, desarrollando cada uno un papel casi perfecto, y representado cada uno una función. Aquí voy a destacar a los dos personajes que yo considero más importantes, pues son ellos los que dan consistencia a la película, y la función que cada uno hace:

- Derek Vinyard: una vida destrozada por la influencia de sus seres más cercanos, pero que al final, es capaz de rehabilitarse a sí mismo e intentar rehabilitar a los demás.

- Danny Vinyard: Busca la popularidad basándose en los pasos seguidos por su hermano, lo cual le lleva a intentar emularle en todo, incluso en formar parte de la banda neonazi.

Cuando se estrenó fue motivo de una gran polémica, pero en poco tiempo se convirtió en una película de visión obligada en la mayor parte de los institutos públicos americanos. American History X trata el tema del neonazismo, y aunque se desarrolla en los E.E.U.U nos sirve perfectamente para poder entender cómo viven y cómo actúan estos grupos en todo el mundo.

La película también nos muestra como la educación es fundamental, tanto en los colegios como, sobre todo, en los hogares para evitar que un chico se una a uno de estos grupos. Incluso una vez que ya está dentro, la película nos dice que la única manera de hacer que alguien abandone esta manera de pensar es a través de la educación. La historia nos muestra a Derek, un chico sensible e inteligente que se acaba convirtiendo en el líder de un grupo neonazi y lo mejor es ver el proceso de cambio, de cómo una persona con un pensamiento completamente radical, poco a poco se va dando cuenta de lo absurda que era su vida anterior.

En conclusión, personalmente me parece la mejor película relacionada con el racismo, y en consecuencia, con el neofascismo actual. Nos pone en la piel de un nazi arrepentido, pidiendo a gritos una segunda oportunidad para él y para quienes le rodean.

American History X en la biblioteca

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La novia cadaver, por Mª Jesús Ramos, alumna de la UC3M

2011-06-08T19:11:00.000+02:00

La Novia Cadáver es una de las últimas invenciones de Tim Burton, siendo él mismo productor y director de la película. Como no cabía esperar de otra manera, la banda sonora ha sido compuesta por Danny Elfman, y las voces de los actores principales son las de sus actores fetiche: Johnny Depp y Helena Bonham Carter.

Ganó el premio en la categoría Premio Future Film Festival Digital, en el 2005, en el Festival Internacional de Cine de Venecia y fue nominada en los Oscars del 2006, a la mejor película de animación, aunque la película ganadora en esa categoría fue Wallace & Gromit: la maldición de las verduras.

El encanto de esta película musical radica en la contraposición de realidades que existen entre el mundo de los vivos y el mundo de los muertos.

El primero, es un lugar oscuro, aburrido y apagado, donde los comportamientos son rectos e intachables, y no queda lugar para la diversión: todo se hace por obligación, porque es lo que debe ser. Y algunos de los que ahí habitan son ambiciosos y traicioneros.

En cambio, el mundo de los muertos es un lugar alegre, colorido, donde reina el compañerismo y la diversión. Tanto es así que hacen fiesta y espectáculo cada vez que alguien llega, por haber muerto previamente.

El protagonista es Víctor, un joven, hijo de burgueses adinerados que buscan su lugar entre la alta sociedad por lo que le han prometido con Victoria, hija de aristócratas venidos a menos, que necesitan de los burgueses para volver a enriquecerse.

Pero, Víctor es demasiado tímido y no soporta la presión a la que le someten en los ensayos de la boda, y escapa al bosque para poder aclarar sus ideas y serenarse. Allí, envalentonado por la soledad, pronuncia los votos que antes no consiguió decir al tiempo que pone la alianza en una rama sobresaliente... que resulta ser el dedo de un cadáver, que exige llevárselo con él al reino de los muertos para cumplir sus votos matrimoniales.

Cuando Victor despierta, se encuentra en el submundo, rodeado de cadáveres al cual más extravagante, y pone todo su empeño en regresar al mundo de los vivos para volver junto a su encantadora prometida.

El final, es inesperado y cargado de frescura y tintes de humor negro, conseguido gracias a la diversidad de personajes y carácteres tan dispares que sólo Burton sabe crear.
La novia cadaver en la biblioteca

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Collateral, por Cristina Rodríguez Muñoz, alumna de la UC3M

2011-05-27T16:12:00.001+02:00

" Un tío sube al metro en Los Ángeles y se muere... ¿crees que alguien se da cuenta?

Se trata de una película de acción del año 2004, de la productora DreamWorks Pictures cuyo director es Michael Mann. El reparto lo componen Tom Cruise, Jamie Foxx, Jada Pinkett Smith, Mark Ruffalo, Peter Berg, Bruce McGill, Debi Mazar, Javier Bardemm Irma P. Hall, Richard T. Jones, Jason Statham, Barry Shabaka Henley.

Todo comienza con un taxista de Los Ángeles llamado Max, un hombre humilde que sueña con un futuro mejor. Una noche resulta estar en el lugar menos idóneo. Un cliente solicita su servicio sin nada extraño al principio. Este le propone a Max, tras llegar a su primer destino, esperarle mientras realiza un “trabajo” a cambio de una mayor cantidad de dinero. Max accede y tras un terrible suceso, se da cuenta de que su cliente no es un cliente normal, sino un asesino a sueldo. El asesino se llama Vincent. Ahora Max se encuentra en un buen lío, ha sido secuestrado. Vincent obliga a Max a llevarle a los 5 sitios que el pide bajo amenaza de muerte para cometer sus crímenes y acabar con la vida de las personas que tiene en mente, convirtiéndose así cómplice de los asesinatos de su cliente. Mientras tanto se suceden persecuciones de policía, peleas, tiroteos, asesinatos… Max en ocasiones pierde los nervios enfrentándose a Vincent y ambos acabarán dependiendo el uno del otro.
El personaje de Vincent muestra frialdad, es un hombre calculador mientras que Max se presenta como un personaje muy humano.
Es una película bastante buena, sobre todo entretenida además de la magnífica interpretación que hacen ambos actores.
La película obtuvo en el 2004 dos nominaciones al Oscar (Mejor actor de reparto y montaje) y una nominación al Globo de Oro (Mejor actor de reparto) entre otros premios.
Sin duda merece la pena verla.
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El Club de la Lucha por Javier López, alumno de la UC3M

2011-05-16T15:07:00.000+02:00

Un nihilista canto al inconformismo. Así ha sido en muchas ocasiones definida esta película. El Club de la Lucha no es solo una película, es además una filosofía. Y tiene sus normas, como la propia cinta muestra al espectador.

ARGUMENTO

Excepcional película dirigida por David Fincher director, entre otras de Alien 3, Se7en y El Curioso Caso de Benjamin Button.

Edward Norton, lanzado a la fama por su papel en American History X, da vida a Jack, un perito de una empresa de automóviles que supera su insufrible insomnio acudiendo a grupos de autoayuda (cáncer, drogadicción, etcétera). Acude allí recomendado por su médico, para que vea “lo que es dolor de verdad”; y conoce a Marla Singer (Helena Bonham Carter). Comienzan una relación de amor-odio, pues se molestan el uno al otro en las charlas de autoayuda, en la que ambos son impostores, pero a la vez se echan de menos si no están.

Por otro lado, en un viaje en avión Jack conoce a Tyler Durden (Brad Pitt), un excéntrico vendedor de jabón. Según llega a su casa, Jack se encuentra que su casa ha explotado, por lo que acaba yéndose a vivir con Tyler Durden a una vieja casa abandonada.

Ambos, juntos y cansados del mundo, fundan el Club de la Lucha, lugar donde los desarraigados sociales o las personas sin esperanza ni ambición, se juntan para pelear a puñetazo limpio en el sótano de un bar. Se van formando más clubes de lucha a lo largo y ancho de los Estados Unidos, convirtiéndose en una organización anticapitalista y anticorporativista llamada "Project Mayhem", con Tyler como líder y regida por unas reglas. La más importante: Nadie habla sobre el Club de la Lucha.

De ahí al terrorismo, solo hay un paso. Pero no es un terrorismo cualquiera, es un terrorismo enfocado a destruir edificios que contengan datos bancarios, para dejar al mundo libre de deudas.

En este momento empiezan las tensiones entre Jack y Tyler Durden por cómo llevar el Club de la Lucha, con Marla de por medio. Surgen diferencias y confusiones, que van en aumento, llegando hasta una tensión insoportable que desemboca en un final inesperado e impredecible.

El problema de realizar una crítica sobre el argumento de esta película es que es prácticamente imposible realizarlo sin dar a conocer las sorpresas de la película, por lo que desde aquí animo a cualquiera a que la vea, no una, sino varias veces para poder captar la magia y profundidad de esta película en toda su plenitud.

CRÍTICA PERSONAL

Dicen que una buena película es aquella que provoca reacción en el espectador, aquélla ante la que uno no puede mantenerse impasible. Si eso es así, estamos ante una de las mejores películas de finales del Siglo XX. Como bien dije al principio, no es solo una película, es también una filosofía, una crítica al mundo en el que vivimos.

La acción es narrada en primera persona por su protagonista en un absorbente proceso de catarsis, nihilismo y masoquismo escapista que conduce su vida hasta la autodestrucción y la alucinación. La continua y confesional voz en off nos acerca de forma íntima a sus reflexiones, creando el film una compleja abstracción violenta de lucha contra un sistema de etiquetas y rutina de consumo y apariencia. Los diálogos son afilados, las interpretaciones notables y visualmente el film posee estilo sin sacrificar la narración.

Viendo semejante titulo uno podría caer en el garrafal error de pensar que es otra de esas películas americanas de violencia gratuita. Nada más alejado de la realidad.

La violencia es al mismo tiempo lo que más abunda en la película y sin embargo es lo más superficial. Es una de esas películas que tienes que ver dos o tres veces más para darte cuenta de lo magnifica que es.

Por otro lado, me veo en la obligación de resaltar una serie de frases formuladas por los protagonistas en la película, no solo por su filosofía implícita, sino también por su contundencia:

- "La publicidad nos hace desear coches y ropas, tenemos empleos que odiamos para comprar mierda que no necesitamos.”

- “Somos los hijos malditos de la historia, desarraigados y sin objetivos. No hemos sufrido una gran guerra, ni una depresión. Nuestra guerra es la guerra espiritual, nuestra gran depresión es nuestra vida.”

- “Crecimos con la televisión que nos hizo creer que algún día seriamos millonarios, dioses del cine o estrellas del rock, pero no lo seremos y poco a poco lo entendemos, lo que hace que estemos muy cabreados."

- “Somos los hijos indeseados de Dios, ¿y qué? Nuestros padres eran nuestros modelos de Dios, si nuestros padres nos fallaron, ¿qué dice eso de Dios?”

- “Cuando la gente cree que te estás muriendo es cuando en verdad te escuchan, en lugar de estar esperando su turno para hablar.”

- “Tienes que saber, no temer, saber que algún día vas a morir, y hasta que no entiendas eso, eres inútil.”

- “La autoperfección es simple masturbación.”

- “Sentía ganas de meterle una bala entre los ojos a cualquiera que se negara a follar para salvar su especie. Quería abrir las válvulas de descarga rápida de todos los petroleros y llenar de crudo todas esas bonitas playas que yo jamás conocería. Quería respirar humo.”

- “Encontré la libertad. Perder toda esperanza era la libertad.”

Personalmente, encuentro los diálogos entre los dos personajes principales brutales, directos al mentón, y con una gran carga filosófica detrás. Con un guión original, sorprendente e inclasificable, El Club de la Lucha constituye un cruce inédito entre el cine negro y la videocreación experimental.

En conclusión, para mí personalmente se trata de una de las mejores películas del cine moderno. Nos muestra la sociedad de consumo en la que vivimos y la pérdida de esperanza de la gente que nos rodea, todo ello rodeado en una espiral de violencia y dolor. Se trata de una película muy violenta, en la que a modo de paradoja, solo hay un tiro en todo el film. Es una película con carga emocional, diferente, filosófica, directa, ambiciosa…

En definitiva, una verdadera joya del cine que debe ser vista por todos los amantes del mismo.

El club de la lucha en la biblioteca

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"Llámame cínico si quieres" por Carlos Manuel Fernandez, alumno UC3m

2011-05-03T18:21:00.000+02:00

Muerte entre las flores, de los hermanos Coen, 1990.

La frase que da título a esta entrada no es una línea de diálogo de la película. Podría serlo, perfectamente, pues encajaría en alguna escena y por supuesto en la idiosincrasia de varios de los inolvidables personajes que pueblan esta historia de violencia, traición y muerte. Muchas veces se ha criticado a los autores por su cinismo, y este film lo tiene todo para contribuir a esa fama. Los personajes los son en mayor o menor medida. La historia está contada con su frialdad habitual, que si alguna vez fue acertada, sin ninguna duda debió ser aquí. Veamos.

En 1990 los hermanos Coen se juntaron para rodar su propia visión del cine negro. Con un guión lleno de complejas relaciones y personajes y una puesta en escena impecable, la película significó un punto de inflexión en el género. Aquello no era lo que los puristas o los clásicos hubieran esperado de una película de mafiosos en la América de los primeros años del siglo XX. Era algo nuevo, lleno de… ¿cómo decirlo? Estilo Coen. Veamos.

Tommy es el lacayo de Leo, el gangster que mueve los hilos en esta ciudad sin nombre. Caspar es otro mafioso interesado en la eliminación de Bernie, un estafador de poca monta que le está haciendo perder dinero. Verna, hermana de Bernie, es el objeto de deseo de Leo, y como toda femme fatale en el cine negro, el desencadenante de una trama de violencia y traición. Y es que la chica es de armas tomar, y mientras asegura la protección de su peculiar hermanito anda liada con el bueno de Tommy, un anti-héroe melancólico que siempre fuma y siempre bebe y habla tan poco como su omnipresente sombrero. El conflicto entre Caspar y Leo no se hace esperar, dejando a Tommy en medio de ninguna parte. O mejor, en media de una guerra de bandas que pondrá patas arriba la ciudad. Veamos.

La estética, la ambientación, la historia.

La estética ha de ser una importante preocupación para alguien que quiere hacer una película de época. Los hermanos Coen se salieron aquí una vez más con la suya. Los trajes y los coches, las armas y los peinados, todo está en su lugar. La música y la decoración, todo encaja con naturalidad. También se permitieron introducir su particular sentido del humor, cargado de agria crítica social, por ejemplo cuando el jefe de policía se amilana ante un lugarteniente de un gangster, o un jefe mafioso echa de su propio despacho al alcalde.

Este fue el tercer largometraje de los Coen y en él quedó patente para siempre su obsesión por hacer de cada fotograma una postal que hablara de manera certera de toda la película. Contiene algunas imágenes para el recuerdo, y un par de escenas que se grabarán a fuego en tu cabeza como referentes cinematográficos inamovibles (el niño descubriendo el primer cadáver que aparece en la peli y Leo salvando el pellejo contra los secuaces de Caspar en su casa en llamas). Los planos contrapicados son una constante, homenaje irrefutable a los clásicos del género, así como la insistencia en los espejos (sobre todo al principio) que auguran la complejidad de los personajes y las relaciones, de este particular mundo de mafiosos en el que, como dirá uno de ellos: “Arriba es abajo. Lo blanco es negro.” Nada es lo que parece en Miller’s Crossing.

Una historia sobre ética.

En la primera escena del film, Caspar explica a Leo su problema con Bernie como una cuestión de falta de ética de éste. Las referencias a la moralidad son continuas durante todo el metraje. Desde el respeto a las “reglas del juego” de la actividad mafiosa hasta la compasión pasando por la lealtad.

Bernie no dudará en traicionar a nadie con tal de sacar tajada como él mismo confesará culpando su inefable forma de ser. La incapacidad de Tommy de matar a Bernie (¿Tommy es incapaz de matar o es incapaz de matar al hermano de la mujer que ama?) le acarreará no pocos disgustos, así como su fidelidad ciega por Leo le provocará también algunos dolores de cabeza.

Una historia sobre amor

El amor está muy presente en la historia como detonante de diversos conflictos y con curiosas implicaciones que analizaremos después. El principal conflicto en torno al amor es la relación prohibida entre Tommy y Verna, que se quieren con locura a espaldas de la autoridad a la que se deben. Este triángulo amoroso desata la guerra entre Leo y Tommy, y marca el desarrollo y el inicio de la guerra en Caspar y Leo.

Las otras relaciones amorosas de la película las tienen los malos. El impasible danés, lacayo de Caspar, tiene una historia con Mink, y este a su vez le engaña con Bernie. Hasta ahí todo está bien, los malos también sienten amor y todo es muy dulce. Mafiosos maricas que se quieren porque el amor es un sentimiento universal. Pero eh oye, resulta que todos los maricas, son malos.

Llámame homófobo y antisemita si quieres

Si te gustan los chistes de judíos deberías ver esta peli. Disfrutarás con la fina ironía de la conversación entre Tommy y el comisario de policía “¿Qué importa un hebreo más o menos?”, y algunas otras referencias en tono despreciativo al pueblo de Israel. Ya sé ya sé, no tiene sentido acusar de antisemitas a los Coen, son de familia judía, no es más que un reflejo de la mentalidad de la época.

Pero luego está el delicado tema de la homosexualidad. Todos los gays de la cinta carecen de escrúpulos. El malo malísimo de la historia es homosexual (y judío) y no sólo traicionaría al más pintado por unos pocos dólares, sino que además es un cobarde llorica y mata a su amante en cuanto este le supone un problema. Su amante a su vez no era ningún angelito, está dispuesto a vender a cualquiera de sus “amigos” por salvar el pellejo. Curiosamente el más respetable (a pesar de ser vengativo y sádico) de ellos, es el que menos gay parece, ya que de alguien tan brutal como el danés uno no espera que le gusten los chicos (y menos los chicos como Steve Buscemi). En esta historia, los gays carecen de la tan manoseada ética, la valentía, la fidelidad y la integridad que al hetero protagonista le sobran; los maricas no tienen escrúpulos, son unos degenerados sin sentido de la moralidad… no te fíes de un homosexual ni aunque sea el amor de tu vida.

Muerte entre las flores en la biblioteca

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Espera al Último Baile por Cintia Ibongo, alumna UC3m

2011-04-25T17:24:00.000+02:00

Sara Johnson (Julia Stiles) es una chica blanca de clase media de Chicago que arma un pequeño revuelo cuando, a la muerte de su madre, se matricula en un instituto de alumnado mayoritariamente negro.

Sara se ha criado en un pequeño pueblo de Illinois, adora el ballet y sueña con ir a Juilliard. Cuando su madre muere en un accidente de coche cuando acudía a ver a su hija actuar, olvida sus sueños y se reúne con su padre Roy, del que hacía mucho tiempo que estaba separada, y que ahora trabaja como músico en el South Sidc de Chicago.

Cuando empieza el curso, se encuentra con un mundo muy diferente al suyo, tanto racial como culturalmente. Allí conoce a Chenille, una madre soltera negra, cuyo hermano, Derek (Sean Patrick Thomas), es un chico atractivo, con talento y muy popular tanto en el instituto como en un club de hip-hop llamado Stepps. Allí, Derek introduce a Sara en la cultura del hip-hop.

Esa película ha tenido una segunda entrega debido a su gran éxito, fue estrenada en él año 2001 y cuyo director es Thomas Carter. En este segundo estreno que se trata de una continuación de Espera al último baile 2 tiene lugar en Nueva York, en este caso la protagonista Sara se encuentra a punto de convertir en realidad sus sueños sobre Julliard.

Su entrega y entusiasmo se pone a prueba cuando se enfrenta a un dilema muy importante, su talento para la danza o su amor por el hip-hop.

En este caso se tendrá que decidir por seguir el consejo de Miles Sultana que es su “profesor de baile “o seguir los consejos de Monique Delacroix que es su instructora de danza.

Personajes

Julia O’Hara Stiles nació en Nueva York, ciudad en la que sus padres poseen

una tienda de artesanía ubicada en el Soho.

En 1996 debutó en el cine con la película de Billy Hopkins "I love you, I love you not". Tres años más tarde logró uno de sus primeros papeles importantes en "10 razones para odiarte" (1999), una adaptación moderna de la obra de William Shakespeare "La fierecilla domada" dirigida por Gil Junger y co-protagonizaba Heath Ledger.

Algunas de sus últimas apariciones fueron en el thriller de acción de Doug Limn “El caso Bourne” (2000), “La sonrisa de Mona Lisa” (2003), película de Mike Newell protagonizada por Julia Roberts, o el remake de "La profecía" (2006), dirigido por John Moore.

Sean Patrick Thomas comenzó a aparecer en los papeles de pantalla a mediados de la década de 1990, y tuvo papeles menores en varias películas.

Su primer papel protagonista fue en el romance adolescente Espera al último baile , en el que protagonizó junto a Julia Stiles. La película se estrenó en enero de 2001 y se convirtió en éxito entre el público adolescente, recaudando más de $ 90 millones a nivel nacional.

Posteriormente, Thomas apareció en papeles secundarios en las películas de Barbería y Halloween: Resurrection, los cuales fueron puestos en libertad en 2002. Thomas era un miembro del elenco de "El Distrito", un drama policial de televisión que salió al aire en CBS desde 2000 hasta 2004. Él aparecerá en la película de terror de 2008 The Burrowers.

Thomas se ha originado el carácter recurrente de agente federal Dupree Karl en FOX Mienteme , cuyo personaje desde su creación se ha convertido en una relación sentimental con Ria Torres, interpretada por Monica Raymund. En 2009, subió al escenario, interpretando el papel protagónico en "Othello" de teatro para un público nuevo en Nueva York. Esta producción se trasladó al Teatro Intiman en Seattle para el verano.

Algunas canciones que podemos encontrar en la película son:

Ice Cube
Ronald De Voe
Snoop Dogg
Jo Jo Hailey
K-Ci Hailey
Mark Isham
Mack 10
Method Man
Redman

En conclusión esta película enseña unos valores a la gente joven, nos enseña a luchar por lo que verdaderamente queremos y no desistir en ello cuando encontramos obstáculos en él camino. Nos enseña a como entre otras cosas el amor puede vencer todas las adversidades que se presentan y cuando dos personas se aman realmente todo se puede superar.

Espera al último baile en la Biblioteca...

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El mundo de Isabel Coixet, por Rocío López, alumna de la UC3M

2011-02-11T17:41:00.000+01:00

Creo que el cine es una enfermedad, y, entonces yo estoy muy enferma

Influencias notables en su cine

Coixet cita entre sus influencias a figuras del cine de autor internacional contemporáneo como Wong Kar- Wai, Aki Kaurismäki o Atom Egoyan, la francesa Agnès Varda pero también a figuras “indies” como Hal Hartley, Jim Jarmusch, Gus va Sant o John Cassavetes al que descubrió tarde pero que ha ejercido una notable influencia en su cine.

Lo que le admiró del cine de Cassavetes es la impresión de que todo sucede como si estuviera ocurriendo mientras lo estamos viendo, como si no hubiera nada preparado; da la sensación de que el director hubiera creado un espacio para los actores y que los hubiese dejado libres para moverse a su antojo. Otro ejemplo de la influencia de Cassavetes en su cine es la película “Elegy”, la cual, a pesar de estar rodada bajo el imperio de Hollywood deja espacio suficiente para que Coixet muestre los distintivos signos de su cine como autora; en la película vemos charlas entre viejos amigos que creen saber mucho sobre las mujeres, simplemente porque se acostaron con muchas de ellas. Quizás Cassavetes se hubiera concentrado en esa complicidad masculina, mientras que Coixet la emplea sólo como apuntes ocasionales que le sirven al protagonista para reflexionar sobre lo que le está pasando. La directora catalana utilizó, además, a uno de sus actores «fetiche», Seymour Cassel, en el reparto de “Cosas que nunca te dije” podemos considerarlo una manera de rendirle tributo. Cassavetes en muchas de sus películas les plantea a los actores una situación y sin guión previo la interpretan, pudiendo alargarse en la escena el tiempo que hiciese falta, esta es una de las características más llamativas de su cine y uno de los aspectos que más llama la atención de Coixet la cual describe el cine de Cassavetes como algo “natural”.

El cine de Coixet mantiene un evidente parentesco con el cine de Alan Rudolph como el personaje que interpreta Don en “Cosas que nunca te dije”, que remite directamente a la Dra. Amor de Genevieve Bujold en “Choose me” (1984).

Por otro lado, en “Cosas que nunca te dije”, la utilización del video en las cartas confesión que graba Ann (Lili Taylor) al amante que la ha abandonado y la contemplación que hace de ellas su enamorado vecino remite al cine del canadiense Atom Eyogan, del que Coixet se declara gran admiradora.

Cineastas como Rodrigo Garcia tomarán influencia de Coixet en películas como “Cosas que diría con solo miradas” (2000) y “Nueve vidas” (2005).

Coixet realizó una entrevista a Wong Kar-Wai, un director misterioso y escurridizo, autor de un filme ya de culto, "In the mood for love" que ha ejercido influencia en el cine de la catalana. En dicha entrevista salieron a relucir temas recurrentes en el cine de ambos como “la soledad” de los personajes a pesar de estar rodeados de personas. Por otro lado Wong Kar-Wai considera fundamental mostrar lo que comen sus personajes, cómo se ganan la vida sus personajes, dónde viven, cómo duermen,…algo que critica en el cine occidental, ya que afirma que parece ser que los personajes no comen nunca. Puede ser por ello que Coixet haga un especial hincapié en su última película en la acción de comer (fideos) en “Mapa de los sonidos de Tokio” o en películas como “Mi vida sin mí” dónde se juega con la comida, se come, nos da nitidez del hábito de comer, incluso para uno de sus protagonistas, Laurie (Amanda Plumeer), es una obsesión. De igual modo, la acción de trabajar en ambos directores toma un papel esencial a la hora de mostrarnos a los personajes

En la entrevista Kar-Wai defiende que hay demasiados directores interesados en contar las cosas de manera que se entienda todo hasta la saciedad, hasta que no quede un resquicio de misterio, y a que a él le interesan los secretos, el misterio; lo que Coixet denomina las dobles vidas, muy patente en su cine, en películas como “Mi vida sin mí”, dónde la protagonista, tras conocer lo inminente de su propia muerte, decide comenzar una doble vida; su vida familiar, y la vida que contenga los doce puntos de la lista que redacta sobre cuestiones que desea llevar a cabo antes de su muerte.

La hostilidad de sus películas nos recuerda al universo cinematográfico de Hal Hartley, ambos cineastas tienen idéntico rechazo hacia la obviedad así como un cuidado mimético de su puesta en escena.

También encontramos otros referentes como el director danés Lars von Triers. En la película “La vida secreta de las palabras” vemos similitudes con el argumento de la película del danés “Rompiendo las olas” (1996): la plataforma petrolífera, el accidente de uno de los personajes, la necesidad de cuidar al enfermo o la soledad en la que viven los protagonistas.

Su relación con el cine “indie” americano parece no tener límites: ha rodado películas de carácter “indie” en América del Norte. No ha tenido ningún inconveniente en filmar fuera de España, en inglés y con actores como Sarah Polley, Amanda Plummer, Lili Taylor o Tim Robbins (en muchas de las ocasiones por falta de financiación en España, negándole subvenciones, etc.) Coixet se enmarca dentro del cine internacional independiente.

Un presupuesto pequeño sirve para “comprar” la libertad del cineasta y conseguir rodar exactamente lo que se pretende, aunque las condiciones de rodaje sean duras y haga mucho frio y no tengas un lujoso tráiler propio y un catering a la carta…

Pero sus referentes no son tanto cineastas como literarios, intenta llevar a la gran pantalla sentimientos, emociones, descripciones que ha leído, incluso adaptaciones de libros. Entre sus escritores Coixet destaca nombres como: Richard Ford, Raymod Carver, John Dos Passos, McCullers, Flannery O´Connor y John Berger. El libro de Berger “Ways of seeing” (Modos de ver), lo descubrió Coixet en una polvorienta y atestada librería de segunda mano de Londres, la impactó. Bebió más textos e incluso le dedicó la película “La vida secreta de las palabras”.

El escritor Bioy Casares la inspiró con sus libros en el estilo que se lleva a cabo en la película”Cosas que nunca te dije” sobre todo a la hora de ser lo más intenso posible con pocos elementos.

Por otro lado destacan sus referentes musicales utilizados en algunas de sus películas como Tom Waits, Joe Jackson, Russian Red, Marianne Faithfull, Antony and the Johnsons.

Este último ha influido notoriamente en su cine, de tal modo que incluso la propia Coixet se entrevistó con él. Una de las canciones predilectas de la catalana y que además ha utilizado en su cine es Hope there`s someone en “Mi vida sin mí”. Incluso el propio Antony le ha dedicado una canción a Coixet You are my sister. También vemos otro tema de este artista en “La vida Secreta de las Palabras” I`m scared of the middle place between light and nowhere.

Hay una frase del cantante de pop Jock Jackson que Isabel admite como fundamental para poder entender la película “Cosas que nunca te dije”: el amor es la prueba de que Dios tiene sentido del humor.

RASGOS PRINCIPALES DE SU CINE

Coixet se caracteriza por la reiteración de en el tratamiento de unos determinados temas y por el uso de unas formas particulares que la definen como única a la hora de ver sus films.

La comunicación, supone uno de los grandes temas de sus películas siempre está presente de una forma u otra. Ya apreciamos en algunos de sus títulos la importancia que la autora concede a la acción de comunicarse tales como “La vida secreta de las palabras”, “Cosas que nunca te dije”. Pero en sus películas los personajes se suelen comunicar mejor en silencio, una mirada, un gesto, una caricia es suficiente para entender lo que se quiere contar sin necesidad de decirlo con palabras.

Con este tema de la comunicación se relaciona el hecho de que en sus películas muchas veces los mensajes no llegan a sus destinatarios o llegan tarde, Coixet reconoce que es una obsesión Oír un mensaje ajeno te abre puertas, te permite fantasear.

También encontramos en sus films contantes alusiones a la comunicación visual, como cámaras, videos, obras de arte, incluso alusiones al propio cine.

Personajes que suelen pertenecer a clases bajas marginales (excepto en “A los que aman”). A Coixet le interesa mostrar lo que los demás no muestran, la vida de estas personas tan olvidada en el cine de Hollywood, ya que cuándo se muestran clases bajas suele estar relacionado con drogas, prostitución, etc.; nunca se trata de personas inteligentes que simplemente han nacido pobres.

También sus personajes se caracterizan por estar entregados a una causa social, por ejemplo: Don trabaja en el teléfono de la esperanza (Cosas que nunca te dije), el médico quiere cambiar las ideas que se pudren en las cabezas de las gentes (A los que aman), Martín está comprometido en la lucha contra la contaminación de los mares (La vida secreta de las palabras), etc.

Un tema recurrente en todas sus películas es la vida cotidiana, el qué hacer diario, así se muestran acciones tan cotidianas como hacer café, llevar a las niñas al colegio, ir a trabajar, lavar la ropa, etc. Escenas que pese a su cotidianidad están cargadas de un significado fundamental, un subtexto visual que sirve de identificación al espectador a la hora de ver sus películas. Los momentos cotidianos según la propia Coixet son los más significativos, los que hacen avanzar la vida, y con los que más uno se puede indentificar.

Los personajes de Coixet suele ser gente solitaria, que a pesar de tener gente a su alrededor (como en “Mi vida sin mí”) tienen que hacer frente a sus problemas solos o vivir sus vidas sin tener con quién compartirlas o simplemente se consideran tan complicados que creen que nadie puede entender cómo se sienten y prefieren llevarlo dentro. Son personajes por lo general reflexivos (algo que se nos muestra con la voz en off presente en sus películas).

En este aspecto está claramente influida por Wong Kae Wai , el cual muestra siempre a sus personajes terriblemente solos a pesar de estar rodeados de gente como en Happy Toguether o In the mood for love. La soledad se sirve como medio de conocimiento del propio yo, es el mejor medio para encontrarse a uno mismo; en la películas La vida secreta de las palabras Hanna es la que tiene mayor necesidad de buscarse a sí misma y por eso se va a vivir aislada como enfermera en una plataforma petrolífera, Hanna está perdida y necesita encontrarse.

El amor, es un tema recurrente en cada una de sus películas, pero es un amor complicado, lleno de obstáculos con un complejo proceso reflexivo y sexual (normalmente no explicito, muy pocas escenas eróticas, Coixet no las considera necesarias, cree que puede expresar lo mismo sin mostrarlo). Sobre todo destacan los abrazos, las caricias y las miradas que ponen los pelos de punta.

Las películas de Coixet están plagadas de mensajes, casi nunca directos, que transforman la acción. Mensajes que llegan como una bofetada, en Cosas que nunca te dijen por ejemplo la llamada que recibe Ann en la que su novio le dice que ya no la quiere. Los mensajes sin palabras, como en La vida secreta de las palabras dónde el contacto que tiene Hanna con Inge aunque sea sin palabras dice mucho más que con ellas. Mensajes que llegaran, como en Mi vida sin mi dónde Ann graba mensajes que llegarán a sus hijas en cada uno de sus cumpleaños. Mensajes que no llegan, en A los que aman el maestro le lleva unas flores y una carta todos los días a Matilde, a la roca, mensajes que no llegan ya que Armacia los roba y hasta llega a comerse uno diciendo “no son para mí pero los hago mios”. Mensajes que llegan a otros, como en Cosas que nunca te dije Ann envía videomensajes a su novio y Pal su vecino no los envía y se los queda o en La vida secreta de las palabras, el mensaje que Hanna escucha continuamente en el móvil de Joseph, imaginándose otra vida.

Es destacable como Coixet muestra un cine plagado de aspectos feministas; en su libro “La vida es un guión” dedica un capítulo entero a denunciar el machismo y el maltrato de género. Tan concienciada con la causa decidió hacer un documental, Más me duele a mí, para denunciarlo e intentar abrir los ojos a la gente, empezó a investigar sobre el tema, hizo numerosas entrevistas a mujeres que han pasado y están pasando por ese trago; empezó a construir el documental con tres de esas historias que la impactaron particularmente, pero esas mujeres que en un principio decidieron colaborar después se negaron. Este documental supone un proyecto fallido, ya que decidió no continuarlo, al menos por el momento, porque pensó que tampoco iba a poder cambiar las cosas y tampoco podría a ayudar a esas mujeres como lo hace Tamaia (asociación de ayuda a mujeres); en su libro recomienda vivamente leer “Mi marido me pega lo normal” de Miguel Lorente, para poder entender el problema que atañe a nuestra sociedad, abrir los ojos en el mundo en el que vivimos. En la mayor parte de sus películas vemos como el peso de la narración lo lleva una mujer y esto es algo necesario en el cine actual dónde el papel femenino está relegado a un segundo plano; quizás uno de los factores más influyentes es que el gran peso de los directores de cine lo constituyen hombres y se sienten identificados con hombres; pero a las mujeres también se las debe mostrar y no desde la perspectiva de amantes, criadas, objetos, amigas, etc. sino desde el punto de vista de la complejidad del ser.

Coixet muestra en sus películas su preocupación por los grupos sociales marginados, utiliza la ironía para humanizar los aspectos más tristes de la vida y su confianza en la capacidad de comunicación del cine. La mayoría de sus personajes pertenecen a las clases sociales menos favorecidas. En su cine vemos la ausencia de Dios y del Estado. Estas clases sociales bajas en sus momentos de angustia no recurren ni a Dios ni al Estado sino que piden ayuda a asociaciones independientes: El Teléfono de la Esperanza en Cosas que nunca te dije el IRCT en Viaje al corazón de la tortuga y La vida secreta de las palabras. La preocupación del cine de Coixet por las clases sociales bajas tiene su origen, probablemente, en su vida familiar: procede de una familia de clase baja y su padre fue uno de los fundadores de Comisiones Obreras en Badalona, además ella misma tuvo que contribuir mientras estudiaba a los gastos del hogar. Su sensibilidad hacia las personas con problemas económicos ya aparece reflejada en su primer largometraje

La muerte es otro de sus grandes temas, en Mi vida sin mí se defiende el valor que tiene la muerte en la vida de las personas, la muerte aparece desde el principio del film unida a la vida de manera inexorable, vemos al médico incapaz de mirarla a la cara para decirla que se va a morir y en el plano inmediato una pareja feliz con un niño pequeño, ajenos al drama que está viviendo Ann en ese momento. Por otra parte vemos la generosidad del personaje de Ann en su propia muerte, se va sin hacer ruido y dejando la vida “preparada” a los suyos. La reflexión más inmediata del film es la cuestión cardinal: la muerte puede ser el elemento primordial que de significado a una vida. Una vez que ves la película te entran ganas de vivir, de hacer muchas cosas, de sentir, transmite esa urgencia que tiene la protagonista por vivir. La sensación de vida la vemos en la primera escena de Mi vida sin mi con la lluvia mojando a Ann que describe el éxtasis que agita su corazón, sintiéndose viva.

Rezas para que esta sea tu vida sin ti, para que las niñas quieran a esta mujer que se llama como tú… y para que tu marido acabe por quererla, para que vivan en la casa de al lado y las niñas puedan jugar a las muñecas en el remolque y casi no recuerden a su madre que dormía durante el día y las llevaba de viaje en canoa, Rezas para que tengan momentos de felicidad tan intensos que cualquier pena parezca pequeña a su lado. Rezas a no sabes qué ni quién, pero rezas. Y ni siquiera sientes nostalgia por la vida que no tendrás. Porque para entonces habrás muerto… y los muertos no sienten nada. Ni siquiera nostalgia

El párrafo anterior corresponde a una de las reflexiones de Ann describe su mirada de la muerte, del mundo que no vivirá. En este guión Coixet se desnuda y refleja su propia visión de la muerte, la vida, el amor, la soledad. Cuando alguien muere y la gente ha recibido algo de esta persona la vida continua, si la vida ha sido plena y generosa puede continuar en la vida de los demás. En el corto Bastille también se muestra a la muerte como un trauma emotivo.

Desde el punto de vista de la composición de la imagen Coixet destaca por una serie de procedimientos característicos. Utiliza planos con doble encuadre, es decir, aprovecha ventanas, marcos de puertas, pasillos para enmarcar a sus personajes, siempre que lo utiliza es con un sentido concreto, para mostrar la soledad de los personajes (Mi vida sin mí), el aislamiento (Cosas que nunca te dije), el principio del fin (Bastille), etc.

Por otro lado son numerosos los primeros planos, algo que también utilizaba mucho Cassavetes, sobre todo planos que capten bien la mirada del personaje, en muchos de sus films se trata además de planos recogidos a través de la cámara en mano, lo que le da un mayor realismo a lo que nos cuenta. En una escena de “Mi vida sin mi”, Ann (Sarah Polley) coge ella misma la cámara, en un plano imposible.

Llama la atención el hecho de que esta directora sea primera cámara a la vez, es decir, es ella misma la que graba sus escenas, considera que así se introduce más en la narración y piensa que puede, de este modo, estar más cerca de los actores, convertirse en el ojo del espectador. Para Isabel llevar la cámara es algo muy físico, muy animal, muy instintivo, seguir a los actores por dónde se supone que van a moverse.

En destacable el cambio significativo que observamos en su cine ya que al principio se recreaba con la cámara fija y en sus últimas películas lo que más destaca es el uso de la cámara al hombro, sobre todo en Mi vida sin mi, dónde el empleo de la cámara al hombro muestra la urgencia por vivir del personaje (la cámara en mano no se utiliza hasta que ella no sabe que va a morir).

La utilización de la voz en off, para expresar los pensamientos y sentimientos de los personajes es un recurso muy típico de su cine. Este recurso transmite al espectador, la sensación de cercanía directa con el protagonista; además es una técnica que reitera de manera oral lo que vemos en pantalla; algo que ayuda a entender de manera más directa los problemas reflexivos- existenciales que la directora catalana nos plantea.

Es destacable que en sus películas casi siempre utiliza escenarios reales, a no ser que por problemas de espacio o iluminación tenga que recurrir al estudio (algo poco frecuente, pero que vemos en la enfermería de La vida secreta de las palabras. Esta preferencia la propia Coixet lo justifica afirmando que el espacio, el escenario real está cargado de contenidos. Por ejemplo en A los que aman la naturaleza como espacio real adquiere un significado con una importancia primordial, vemos como influyen las estaciones en la vida de las personas, como se sienten la lluvia y las nubes.

La lavandería supone un símbolo recurrente en sus películas, hace referencia a aquellas personas que se están planteando continuamente su vida. Supone un espacio arquetipo del cine americano. Es un lugar en dónde la gente lava su intimidad, existe cierta obsesión en el cine de Coixet por la pureza, por el hecho de que los sentimientos no estén contaminados por nada, obsesión por ser fiel a sí mismo. Por ello las escenas más románticas las vemos representadas en lavanderías, por ejemplo, cuando en Mi vida sin mí Lee se queda mirando a Ann mientras duerme, sin decir nada, acercándose cada vez más con la silla, se nos muestra la fascinación ante alguien que duerme.

En definitiva se trata de una directora muy influenciada pero que ha sabido desarrollar rasgos propios que identifican su cine como único. Su personalidad hace que o bien te puedan gustar mucho sus películas o bien te puedan parecer insufribles.

Dudas…

Yo cada vez que hago una película, estoy convencida primero, de que nunca se estrenará. Y luego que si se estrena, nadie irá a verla, y luego, que si van a verla no les va a gustar. Eso es una cosa con la que convivo.

Belle Époque por Noelia Álvarez, alumna UC3M

2011-01-17T16:18:00.000+01:00

Nos encontramos en 1931, en algún pequeño pueblo español que espera con incertidumbre la llegada de la II República. Fernando (Jorge Sanz) deserta del ejército y en su huída va a parar a la finca de Manolo (Fernando Fernán-Gómez), un singular librepensador que le ofrece su casa y su amistad. La tranquilidad del campo se ve perturbada cuando las cuatro hijas de Manolo (Miriam Díaz-Aroca, Ariadna Gil, Maribel Verdú y Penélope Cruz) van a visitarlo. El desertor y exseminarista sucumbirá ante cada una de ellas, sin saber de quién se ha enamorado realmente.

Esta miscelánea de componentes, se tejió en un restaurante madrileño de la mano de tres grandes figuras del cine español contemporáneo: el director Fernando Trueba, el ya mítico guionista Rafael Azcona, y el realizador y guionista José Luis García Sánchez. Una narración en clave de humor, que mezcla el amor libre con la tolerancia, en un ambiente natural. Acompañados de una gran fotografía y unos personajes llevados al extremo, cuya exageración no desentona con el tono alocado de la película, dan como resultado un gran éxito de crítica (nueve premios Goya en 1992 y un Oscar en 1993) y de público.

Pese a la previsibilidad de los hechos que se suceden en la narración, no se intentan esconder las intenciones de Fernando y de las cuatro hermanas, la trama no resulta tediosa. Los diálogos ágiles y la acertada excentricidad de los
personajes, encarnada en su máxima expresión por la madre (Chus Lampreave) y el hijo carlista (Gabino Diego)…o republicano, según le convenga en su objetivo de conquistar a Rocío,consiguen que el espectador se enganche a la trama. Casi la totalidad de las interpretaciones del elenco de actores son acertadas, algo que contribuye a que nos creyamos a los personajes y nos quedemos frente a la pantalla.

El protagonista vive una “belle époque” particular que, como la que se respira en el país en el periodo en el que se ambienta la cinta, poco durará. Este espacio de tiempo comienza con la muerte y suicidio de los dos guardias civiles y termina después del suicidio del párroco. Un final amargo, en el que Fernando se resigna a la vida con una sola mujer y Manolo vuelve a la soledad de la finca, que choca con el tono alegre de la película. Se puede encontrar una clara similitud entre la narración y el periodo histórico que vive España, la ambición y el optimismo con la que se ve el porvenir se traducirán en el pesar por lo que pudo haber sido y no fue, quedando reducido a un bonito, pero breve paréntesis. Noelia Álvarez, alumna UC3M.

Belle Époque en la biblioteca

Sombras bohemias: la vida de un actor de oro por Ignacio Nava Laiz, alumno de la UC3M

2010-11-23T18:57:00.000+01:00

El próximo jueves 25 de noviembre se celebra en la Facultad de Humanidades, Comunicación y Documentación de la Universidad Carlos III el Homenaje a Manuel Alexandre, organizado por Covadonga Béjar Llanes en colaboración con la Asociación Nouvelle Back de la Universidad. Se proyectará el film Plácido (1961), de Luis G. Berlanga. El evento tendrá lugar en la sala 17.0.06.

El muchacho ha acabado la jornada de trabajo. No es lo que más le gusta hacer, se dice a sí mismo con melancolía. Pero debe ayudar a su padre, el fontanero. Lo que le gustaría a él es ver mundo, aprender. Está en la edad. Saliendo de su ensimismamiento, consulta la hora. Le da tiempo de sobra a llegar a la película de los cines Encomienda. Se apresura por las calles, desentumeciendo como puede los brazos y las piernas cansadas. Llega al remachado edificio y entra. No ha mirado el título en el cartel de la película, pero se adentra en la oscura sala. El proyector y la música han empezado a sonar con fuerza. Una viejecilla le indica que se siente a su lado. Lo hace, y ella se junta a él bien pegada, y le susurra al oído: “Niño, léeme los cartelitos, anda.” El muchacho lo hace, con una de sus sonrisas, sin saber que con ese inocente gesto el veneno del cine ha comenzado a introducirse por sus venas.

Algunos años después, Manuel Alexandre Abarca pasaría a ser parte de esos intertítulos que tenía que leer a la viejecilla; de los títulos, de las imágenes, de todo. A través de Luis Lucía, y no de esos galanes locales de esmoquin blanco que tenían contactos en El Pardo, entró a formar parte de la farándula cinematográfica, pero de la más baja, donde conoció y descubrió un modo de vida atado visceralmente al arte enclaustrado en la dictadura.

Nada hay, pues, más extraordinario que la bohemia. Ha conseguido sobrevivir a regímenes políticos tan divergentes como repúblicas, dictaduras y, su peor enemigo, la democracia. Solo logra su supervivencia a través del contagio entre contertulios de círculos casi sectarios. Se propaga por el cargado aire nocturno de las tabernas, a través de los cafés inescrutables por el cristal empañado, por los ojos temporalmente desvelados de los poetas ciegos y por los espejos opacos de los callejones en los que los reflejos de los artistas y vividores se empeñan en heredar la rebeldía romántica sin saber que, irónicamente, dichos callejones no tienen salida.

La bohemia no tiene cabida en la libertad. Su estado natural es la clandestinidad, los bajos fondos, donde el límite entre fanfarria y hampa se difumina, entre la alcahuetería y la picaresca se mezcla en un simposio que huele a ceniza. La democracia mató la bohemia. El New Age tras la Guerra Fría convirtió la rebeldía en una pose al servicio del marketing. Se convirtió en un retablo congelado que solamente puede admirarse en los libros y en los museos. Se evaporó con la pérdida de la conciencia obrera, diluyéndose en el american way of live globalizado ahora en el estado del bienestar europeo. Pero fue, como nunca, “el dolor de un mal sueño”, como diría el rapsoda ciego. La riqueza no fue cercenada, y el dinero se hizo con el timón de la humanidad. Los nuevos movimientos musicales acabaron con una forma de ver la vida que ya era un trasnoche, un caparazón del dandismo. Quedaron pocos y pequeños resquicios donde la herencia de Max Estrella no se hubiese adulterado por la bacteria de lo políticamente correcto. El cine fue uno de esos espacios donde era posible la lucha.

Por unas u otras cabriolas, Manuel Alexandre pertenecía a esos artistas que durante un régimen donde el arte puro estaba prohibido, consiguieron mediante la picaresca y el buen humor hacer obras no solo maestras, sino imperecederas ante el devenir de los años. Al pasar de manera tan sutil y caballeresca la barrera de la censura, guionistas, actores, directores y todos los trabajadores del cine durante la posguerra y el régimen franquista se convirtieron en los herederos de Alejandro Sawa, de Emilio Carrere o de Silverio Lanza. No importaba las dificultades que el nuevo régimen impusiera, el arte era esa patria añorada. Esta fue su carrera, no la de un actor secundario (pues esto sonaba a ofensa para él), si no la de un actor de reparto de lujo, de oro, que hacía auténticos los guiones nacionales. Él siempre dijo: “la palabra secundario tiene un tono despectivo”

Al servicio de Berlanga o de Bardem, entablando vínculos inmortales con Fernando Fernán-Gómez, Alexandre se convirtió en un asiduo de las tertulias del Café Gijón. Con una maestría camaleónica que solamente se puede adquirir con un humor excepcional; fue un ejecutado a muerte en un cameo leve y anónimo de El verdugo; el jefe de una banda de cuatreros en Los ladrones van a la oficina; un gomoso gañán y bromista que se paseaba junto a sus amigos por la Calle Mayor; un dictador en sus últimas horas de vida en 20 N: Los últimos días de Franco; un hombre con alzhéimer en Y tú, ¿quién eres?; el ciclista asesino de una dama acomodada en el asombroso final de Muerte de un ciclista; el joven actor que empieza carrera y se desilusiona levemente por un comentario inocente de Carmen Seco sobre su figura de cómico; el petimetre de un secretario general de provincias en Bienvenido Mr. Marshall; un mendigo cojo que sufrió el hambre y la caridad burguesa de la postguerra en Plácido; un monaguillo con la habilidad de levitar en Amanece, que no es poco; y el galán con años de carrera en Elsa y Fred. Todo ello son las huellas de artistas que intentaron sobrevivir al arte enclaustrado en el caciquismo y amiguismo de los tiempos de CIFESA, y en las barreras de distribución en los tiempos de la hegemonía de Hollywood.

Decíamos al principio que la bohemia es tan solo una pose en la democracia. Es cierto. Ya no es un modo de vida en los países del primer mundo. Tan solo son poses, o los medios las convierten en eso. Esos mismos medios que dieron a conocer que las mujeres y los percebes fueron el motor emocional de Alexandre. El bohemio se convierte en una voz, como el genial Antonio Soler afirma. “Manuel es una voz, como lo son todos los actores”. Ahora, esa voz se intensifica por la caducidad del cuerpo que la contenía, y será exigida por el eco que suena en las calles de la Encomienda, el paseo de Recoletos, los barrios de la Paloma y de Chamberí. Que sus cenizas vuelvan ahora al viento que recorre su asfalto y que sufre la falta de sus zapatos. Volverá a la piedra que tanto pisaron los trasnochados y desvergonzados poetas, actores y faranduleros, porque, según como Manuel tanto defendía, la calle era él.

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Manuel Alexandre en la biblioteca

Proyección y debate: "WWW. What A Wonderful World"

2010-11-11T18:34:00.002+01:00

El próximo miércoles 17 de noviembre se proyectará en el Campus de Getafe de la Universidad Carlos III de Madrid el film WWW. What A Wonderful World (2006), del director marroquí Faouzi Bensaidi. El acto tendrá lugar en la sala 14.0.11, con el siguiente programa:

9:30: Charla sobre el cine marroquí (Alberto Elena)
11:30: Proyección de What a Wonderful World
13:00: Charla-coloquio dirigida por Farshad Zahedi y M'Hani Belrhrib

What A Wonderful World es una reconocida película del cine marroquí contemporáneo, un cruce entre comedia y cine criminal a través del cual Bensaïdi observa y representa la vida moderna en la ciduad de Casablanca. El film narra la historia de Kamel (el propio director), un asesino a sueldo que gestiona sus contratos por internet, y que acostumbra a llamar a Souad (Fatima Attif), una prostituta ocasional, para hacer el amor después de cada uno de sus encargos. Para contactar con ella, sus clientes tienen que llamar a un teléfono móvil que comparte con su amiga Kenza (Nezha Rahil), una agente de tráfico que obtiene un dinero extra por las noches alquilando su teléfono a los vecinos que no pueden permitirse adquirir uno propio. Llamada tras llamada, Kamel va enamorándose de la voz de Kenza, y decidirá ir a buscarla. Pero la cosa se complicará cuando un hacker, Hicham (El Mehdi Elaaroubi), se infiltre por casualidad en los contratos del asesino y decida ir tras él.
WWW. What a Wonderful World en la biblioteca

Presentación de "Cine e imaginarios sociales", último libro de Gerard Imbert

2010-10-29T17:16:00.000+02:00

El próximo jueves 4 de noviembre se presenta a las 19:30 en el Cine Doré (Filmoteca Española) el libro Cine e imaginarios sociales. El cine posmoderno como experiencia de los límites (1990-2010), escrito por Gerard Imbert, Catedrático de Comunicación Audiovisual y profesor de la Universidad Carlos III de Madrid.

En su nueva obra, Imbert lleva a cabo un análisis exhaustivo de los imaginarios proyectados en y por el cine de las últimas dos décadas, diseccionando la serie infinita de obsesiones, deseos, fobias e imágenes del otro del zeitgeist contemporáneo que encuentran una salida en la ficción y condicionan nuestra aprehensión de la realidad, nuestra relación con el cuerpo, la violencia, la muerte, e inciden en la formación de la identidad. Un viaje por las representaciones sociales de los comportamientos y experiencias limítrofes, en los bordes, marginales pero presentes, con las que el cine contemporáneo se adentra e indaga en los modelos y modos de vida cotidianos y por venir.

Al autor le acompañarán en la presentación el profesor de Historia del Cine de la Universidad Complutense de Madrid José Luis Sánchez Noriega, y el actor Juan Ceacero. Además, se proyectará posteriormente la película Dream (2008), de Kim Ki-Duk, en la que Jin y Ran, una pareja de jóvenes, harán todo lo posible por mantenerse despiertos, al estar ella condenada a dar vida más allá de su voluntad a los sueños de él. En definitiva, otra de las habituales experiencias límite del director surcoreano, analizada por Imbert en la obra que presenta.

Kim Ki-Duk y Gerard Imbert en tu biblioteca.

Trailer español de Dream:

Cita obligada en la Casa Árabe

2010-09-24T18:24:00.003+02:00

Cita obligada

Cómo nos íbamos a olvidar de hacer referencia a la presentación y debate del nuevo libro de Alberto Elena “La llamada de África. Estudios sobre el cine colonial español” que será el próximo 28 de septiembre a las 19.30 en la Casa Árabe.

http://www.casaarabe-ieam.es/noticias-arabes/show/presentacion-de-la-llamada-de-africa-estudios-sobre-el-cine-colonial-espanol

A este encuentro también asistirán Gema Martín Muñoz, directora general de Casa Árabe y Manuel Palacio, historiador del cine español y profesor de la Universidad Carlos III.

Utilizando como base el análisis de la producción filmográfica española ligada a la realidad del Protectorado de Marruecos, Ifni, Sáhara Occidental y Guinea, este libro nos propone una relectura de la historia colonial española y una reflexión sobre sus diferidos efectos en un nuevo y sustancialmente distinto panorama postcolonial.

También se proyectaran fragmentos de películas en los cuales podremos ver la temática principal de su análisis.

Alberto Elena trata de realizar una aproximación al problema para determinar si el franquismo utilizó el cine como un instrumento de propaganda en el Protectorado y cuáles fueron en cualquier caso las pautas de exhibición en las salas de la región.

La llamada de África en la biblioteca

Bailando en la oscuridad, por Rocío López, alumna de la UC3M

2010-09-06T16:39:00.000+02:00

Tradicionalmente los musicales se han definido por su optimismo y superficialidad positiva, dónde la gente se pone a cantar y bailar sin más y su principal misión es entretener a la gente, pero este no fue el propósito de Lars Von Trier, el cual se propuso innovar en las entrañas del género dando como resultado una magnifica obra que no hace sino emocionar a cualquier espectador que tenga sentimientos.

Dancer in the Dark ganó la Palma de Oro en Cannes 2000 a la mejor película (y premio a la mejor actriz, Björk)

Es la tercera de la trilogía fílmica Corazón dorado, en la que se incluyen Breaking the Waves con Emily Watson, y Los idiotas;

Selma es una inmigrante checa que se ha mudado a Estados Unidos para que puedan operar a su hijo, el cual ha heredado una ceguera progresiva que a ella la ha llevado a perder gradualmente la vista hasta quedarse completamente ciega. Trabaja en una fábrica y por las tardes acude a los ensayos de una producción amateur de la cual tiene el papel protagonista.

Lo sorprendente de Selma es que es capaz de evadirse de la vida real a través de los sonidos o ruidos de su entorno, que la llevan a un mundo de ensueño dónde ella es feliz cantando y bailando. De hecho la propia Selma reconoce que prefiere pensar en la vida como una obra, porque “en un musical, nunca pasa nada malo”.

Su obsesión es ahorrar todo el dinero posible realizando trabajos extras e incluso alargando su jornada laboral en la fábrica para reunir el dinero y así poder operar a su hijo lo antes posible, evitando un desastre mayor. Bill, el policía que le alquila a Selma y a su hijo la casa dónde viven, desesperado, una noche le cuenta sus problemas: incapaz de hacer frente a los pagos está a punto de perder la casa y además cree que su mujer le abandonará. Selma para calmarle le cuenta su enfermedad y su esfuerzo por ahorrar, el policía le pide prestado el dinero pero Selma no puede prestárselo, Bill, desesperado, robará el dinero de Selma y a partir de ahí se desencadenará un trágico final que sólo se puede describir con una palabra, bestial.

El estilo documental que utiliza Lars Von Trier en esta película no es causal, sino que responde a una necesidad de hacer la historia más verídica tal y como hizo en Rompiendo las olas. Solo se utilizan las cámaras fijas para los números musicales, el resto de escenas están filmadas con la cámara al hombro, fácilmente así podemos distinguir realidad de fantasía, además la realidad tiene colores grises, apagados y la fantasía se caracteriza por un cromatismo vibrante y feliz.

Es una de esas películas que o te apasionan o simplemente odias, no existe término medio; la forma en la que Lars Von Trier juega con los sentimientos del espectador no es del agrado de todo el mundo, porque si algo es cierto es que no conozco a nadie que la haya visto y no haya gastado al menos un paquete de clínex. Mucha gente que la ha visto reconoce no estar preparada para verla de nuevo ya que te deja en un estado de shock ante los acontecimientos tan extremadamente dramáticos que se muestran en el film.

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Hierro 3 por Rocío López, alumna de la UC3M

2010-07-28T10:21:00.004+02:00

La mirada que nos ofrece Ki-Duk, KIM sobre la sociedad surcoreana no nos deja indiferentes. Muestra a personajes generalmente marginados a los que el entorno social prejuzga y da la espalda; en parte esta preocupación de Ki-Duk se debe principalmente a su propia autobiografía. Su autoría está constantemente presente, él mismo proviene de la clase humilde y siempre se ha considerado desplazado, de ahí su insistencia en estos personajes.

“Aunque, al depender de la imagen fotográfica, el cine se ha considerado tradicionalmente un medio marcado por el realismo, mi cine emerge de un punto en el que la fantasía y la realidad se encuentran, la realidad que yo he experimentado a lo largo de mi vida está llena de distinciones de clase y de la total ausencia de comprensión (:..) Creo que el primer paso para la curación es revelar nuestra enfermedad tal y como es. La búsqueda de un cine semi-abstracto”

Tae-suk (Jae Hee) es un indigente que entra en casas cuyos dueños están ausentes, las ocupa durante un día, pero no a cambio de nada sino que arregla los aparatos estropeados y hace la colada, después recoge toda la casa como si nadie hubiera estado allí; sin embargo no siempre le sale bien… En una de estas casas conoce a Sunhwa una hermosa exmodelo que vive un infierno a causa de su marido, un hombre irritable que la maltrata. Ella decide escapar con Tae-suk y seguir su forma de vida.

Ki-Duk trata de esta forma una historia tan manida cómo el amor, en la mayoría de los casos se ve dificultado porque uno de los dos está casado; vemos una historia de amor basada en imágenes y gestos que se vincula a menudo con el cine de Tsai Ming-liang quién considera la necesidad de ser pacientes mientras se contempla un plano o una secuencia, el único modo de apreciar todos sus matices.

La originalidad de Ki-Duk radica en el tratamiento dónde destaca principalmente la desconfianza en la palabra cómo herramienta de comunicación, lo que origina que la película esté plagada de largos silencios que hacen que el espectador reflexione sobre lo que ve en pantalla. En este film los espacios son tan importantes como la palabra no pronunciada, espacios que reflejan la vida de otras personas que están ausentes pero que dicen mucho de ellas.

En el cine asiático es frecuente ver cómo la violencia es tratada como algo bello, hermoso, un ritual, ésto es visto con desconfianza en occidente donde la violencia siempre es considerada algo feo y pavoroso. La violencia en las películas de Ki-Duk provoca reflexión sobre el propio acto; Tae-suk que vive en armonía respetando a sus semejantes no necesita ya expresarse a través de la violencia, la incomprensión de los demás hace que éstos la utilicen sobre él, Tae-suk se venga cuando tras pasar por la cárcel comprende que la armonía con su propio cuerpo y entorno, a través de la meditación, es mucho más poderosa y eficaz que la violencia directa.

Hierro 3(2004) es considerada una de las mejores películas de su filmografía.

Películas de Ki-Duk, KIM: Aliento(2008), Time(2006), El arco (2006) Samaritan Girl (2005) Hierro 3 (2005) Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera (2004), El guardacostas(2002), Un mal tipo (2001), Domicilio desconocido (2001) La isla (2000), Ficción Real (2000), Birdcage inn(1998), Animales salvajes (1996), Cocodrilo (1996).

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Sabiduría garantizada, por Fabiola Mogollon, alumna de la UC3M

2010-07-06T17:19:00.005+02:00

Sabiduría garantizada es una película alemana dirigida por Doris Doris Dörrie que trata sobre dos hermanos, Gustav y Uwe, que deciden viajar a Japón para retirarse a un monasterio Zen en busca de paz interior. Cuando llegan les ocurren todo tipo de desgracias, como en la película “Lost in Translation” de Sofia Coppola (del 2003), podemos ver la modernidad y el caos de Tokio, pero en el año 1999, ésto se nota en la tecnología que se ve en la película porque hasta ahora ha evolucionado muchísimo y sin embargo en ese momento se veía que ya estaban adelantados respecto a otros países.

Es una comedia muy extraña ya que resulta educativa, la parte del monasterio está rodada de forma cercana al documental y muchas veces lo que ves en la pantalla es lo que graban los personajes con su pequeña cámara; uno puede apreciar las rutinas de los monjes desde que se levantan, los trabajos que realizan y como unen las tareas a su filosofía de vida, resulta interesante para quien sienta curiosidad por el budismo, te deja pensando en lo que has visto.

A pesar de estar rodada con un ritmo más tranquilo que el que solemos estar acostumbrados, no resulta demasiado lenta ni aburrida, consigue engancharte, entretenerte y divertirte. Es una película distinta a otras en varios aspectos y creo que me la podría volver a ver sin que me defraudara

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Celuloide Colectivo por Victor Aertsen, alumno de la UC3M

2010-06-11T18:08:00.001+02:00

El estallido de la Guerra Civil en julio de 1936 supuso un seísmo para España, que quedaría dividida en dos política y territorialmente. El reparto geográfico inicial dejaría al bando republicano los principales centros de producción, situados primordialmente en Madrid y Barcelona, mientras que los cineastas del bando nacionalista se verían obligados a desplazarse a países aliados como Italia, Alemania o Portugal para continuar con su (nuevo) trabajo.

La hasta entonces creciente industria cinematográfica se vio conmocionada por el temblor: dispersión de técnicos y profesionales, falta de recursos materiales (película virgen, electricidad…), caída de la inversión (precaución ante la inseguridad), bajada de ingresos (al dividirse en dos el territorio donde exhibir). Los proyectos en marcha se paralizaron, y los cineastas del bando republicano –que cuentan con los medios- salieron a la calle para registrar y dar testimonio de lo que estaba ocurriendo. Serían los sindicatos, especialmente la CNT (que dominaba en Barcelona y compartía trono en Madrid), quienes, aprovechando su fuerte implantación dentro de la industria, se hicieran con las riendas de la producción, incautando y sindicalizando tanto el sector de la producción como el de la exhibición, y consiguiendo así mantenerla a flote a la vez que darle utilidad.

Mientras que la producción de cine de ficción cae en picado (enfrentado no sólo a un problema económico, sino ético) y su función se ve delegada al cine de Hollywood, proliferan dos nuevas tendencias dentro del cine del bando republicano: el reportaje de guerra y retaguardia, aliándose cine y periodismo para mantener informada a la población; y el filme de propaganda, buscando divulgar valores y adoctrinar a los ciudadanos. Es precisamente a este cine y su contexto a lo que nos introduce Celuloide colectivo.

Aunque flojo en algunos momentos, el documental no sólo ofrece un instructivo recorrido histórico por este periodo en la producción cinematográfica española, sino que aporta, gracias a sus múltiples entrevistas y material audiovisual, alguno inédito hasta la fecha, interesantes ejemplos de la sorprendente permeabilidad que se producía entre el documental y la ficción (¡rodaje de escenas compuestas –dramatizadas- de milicianos para darle continuidad al metraje traído del frente!), o graciosas muestras de la retórica literario-panfletaria (“muchachos de pecho firme”, “escuchando los aplausos de los obuses”, “levantan los puños prolongados por las pistolas”, y otras maravillas) propia de un aún reciente cine sonoro y su primer uso masivo para la propaganda bélica. Interesante periodo e interesante documental que se prolonga(n) hasta el momento en el que el avance del enemigo nacionalista y los problemas internos acabaron con la producción cinematográfica y la esperanza.

Celuloide colectivo en la biblioteca

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Breaking News / Election II. Dos caras de una misma moneda.

2010-05-07T18:04:00.005+02:00

Johnny To ha conseguido alzarse en los últimos años como uno de los directores más interesantes y laureados del cine de género contemporáneo. Director versátil y prolífico, ha sabido conjugar sus facetas alimenticia y autoral con integridad, plegándose a los dictados de la industria (con infinidad de dramas románticos y comedias al servicio de estrellas hongkonesa) siempre y cuando esto(a) le permitiera, aún dentro del cine de género, producir películas más personales y atractivas (para él; para el público occidental; para la crítica). Trabajando sobre el thriller y el cine de acción, con los años ha limado asperezas hasta construir un universo temático y estilístico reconocible y unificado, ganando paulatinamente el favor de festivales y críticos occidentales (hasta llegar a ser nominado para la Palma de Oro de Cannes, el Oso de Oro de Berlín o el León de Oro de Venecia entre otros).

Heredero del cine de John Woo, sus películas dibujan un microcosmos masculino de referencias hawksianas donde amistad y honor no sólo dirigen las escenas de acción y suspense sino que llegan a adquirir entidad propia en memorables pasajes de desatado compañerismo. Un esqueleto narrativo que explora la heroicidad en sus diferentes expresiones (alienación, lealtad, carácter sobrehumano…) y cuyo cuerpo formal trabaja sobre múltiples influencias (Leone, Peckinpah, Melville, incluso el primer Michael Mann…) para jugar lúdica y placenteramente con el exceso estilístico. Breaking News, casualmente la primera película con la que el que escribe se adentró en su cine, resulta un buen ejemplo y aperitivo para adentrarnos en este universo desde su sorprendente comienzo (con un plano secuencia que hará las delicias de todo amante del Orson Welles de Sed de Mal o del Michael Mann de, por ejemplo, Heat) hasta su final.

Election II, secuela de Election I (aunque no requiera su visionado para seguirla y disfrutarla), se alejará ligeramente de los caminos antes transitados por el director para, aún dentro del cine criminal, realizar un acercamiento crudo y realista al mundo de la tríadas (homólogo chino de la mafia ítaloamericana o la yakuta japonesa), sus tentáculos en la sociedad, sus reglas y guerras internas. To acaba diseccionando las desviaciones de una subcultura basada en la ilegalidad y la violencia que busca construir, contradictoriamente, sus propias reglas. Víctor Aertsen, alumno de uc3m.

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Election II en tu biblioteca.

La Cabina por Julio Llorente Sánchez, alumno de la UC3M

2010-04-21T20:31:00.004+02:00

Extrañamente La Cabina posee desde los primeros minutos un cierto halo de misterio, aunque aparentemente trata de mostrar todo lo contrario mediante una normalización de la rutina. Lo cierto es que desde la primera secuencia, el primer plano y las primeras notas musicales sientes que algo extraño va a suceder, como en las películas de Alfred Hitchcock sucedía desde el arranque, todo parecía en calma pero el hedor de la catástrofe y lo espantoso rondaba cerca. Y esa va a ser la influencia más directa de Mercero a lo largo de todo el mediometraje, trabajando el poder de la picaresca española redacta una narración que como ya nombraba, resulta en la superficie y en su realización de estilo puramente Hitchcockniano.

Podemos titubear en las imágenes iniciales, creyendo que nos encontramos ante un plano secuencia de vista de pájaro absolutamente nouvelle vaguiano, más que de toda una generación de autores, podría concretar hablando de Francois Truffaut, el cineasta marcado por la renovación completa del cine francés e influenciado por el Neorrealismo surgido en Italia, era proclive a subyacer el destino íntimo del mensaje bajo superficies de planos erráticos, que en la imagen se plasmaban en forma de diagonales y de la elaboración de líneas compositivas a través de cenitales y aéreos.

Ya rota la elaboración del primer plano secuencia, los planos detalle siguientes vuelven a columbrar el mensaje expectante, con plena conciencia de dónde y cómo aparecen, situando cada elemento con mucho cuidado (Véase mano del operario que abre la cabina aún después de haber entrado ya en ella). La utilización de una grúa resulta agradecida a la narración fílmica de la historia aunque no puedes dejar de pensar que Antonio Mercero es ante todo un director televisivo, donde la grúa es el pan suyo de cada día, usada hasta la saciedad en todos los programas de la parrilla, sumado también a la constante y no siempre bien acertada utilización del Zoom, muy en boga en aquella época por su reciente comercialización a principios de los 60 y que muchos cineastas europeos debido a su bajo coste utilizaban como recursos sustituto al travelling.

A medida que avanza la trama y que López Vázquez ya se encuentra enclaustrado en su mundo/cabina podemos ir averiguando las verdaderas intenciones de los guionistas, esto conduce inconscientemente al espectador a sentirse más cómodo con lo que está observando, y al espectador crítico actual a sentir que burlar la censura es algo que hoy ya no podremos hacer ninguno. Entre plano y plano, piensas por obligación en la España setentera, en los personajes Berlangianos que desfilan ante la pantalla como meros espectadores, en el surrealismo y el humor ennegrecido que todo español desarrolla porque es español.

Pero eso no es todo, porque es un film que no se queda estático en ningún momento, según se siente más encerrado en esa celda, más señas va dejando el director para que entiendas la obra, va in crescendo y acelerando el proceso de su intriga y de su angustia, al más puro estilo de Rod Serling, que amenazaba con sus dimensiones desconocidas desde hacía años en las pantallas de todo el mundo y que en España bajo el nombre de la cuarta dimensión había causado estragos en todos los realizadores televisivos de la época. Aunque no es necesario marcharse a los EEUU, en España ya se habían hecho cosas muy similares y en las que Antonio Mercero sentía una gran admiración como eran las historias para no dormir que Narciso Ibáñez (Chicho) había explotado en la misma cadena, la cadena pública y única en aquellos momentos. Al igual que Chicho, Mercero se argumenta en bases sólidas, con guiones muy expresionistas, dignos de cualquier película de terror de las décadas anteriores pero con la renovación de creer en una estética puramente realista y fácilmente enmarcada en la sociedad actual, donde poder ejecutar sus fines ya sean políticos o religiosos, de una manera menos efectista que lleve al espectador a no perderse en la maraña cautivadora de la ciencia ficción.

El españolito medio, ese personaje anclado y prototípico tan similar al que en millones de casas existía, comprendía una serie de adjetivos y valores que pueden identificar solo con ver su ropa, su corte de pelo o sus coaccionadas acciones, es por ello que no puedes evitar pensar en todas “las españoladas” de los sesenta, de los setenta, en José María Forqué, en el Landismo y el destape y es más, puede que esa fuera la intención del director, crearnos esa reminiscencia no fue de manera baladí, su propósito quizá era el de hacer al espectador más partícipe de la situación, crear identificaciones y sobre todo el despiste general, de aquellos que creían ver una película cómica cuando en realidad era el horror de la vida, de un Madrid y una España de claustrofóbicas vistas a una sociedad que ignora la desfachatez de un mundo bastante putrefacto en sus entrañas. Era un reflejo muy acertado de un régimen que siempre afectó al pueblo en este sentido, como afecta al personaje de López Vázquez verse reflejado en el espejo y verse además encerrado, objetivo de las burlas de cuantos les rodean, como bien podía sucederle a España en aquel momento.

Volviendo a recapitular y a hacer diferentes visiones de la película, pero sobre todo a desenmascarar más detalles y huellas que el director irremediablemente deja de otras películas y de otros directores, como es de los personajes Fellinianos que hiperbolizados para la pantallas se mueven sin discreción abarcan los planos de la plaza, pero sobre todo lo vi en esos payasos y enanos de circo, recordé “Los Clowns” película entonces muy reciente y de gran belleza visual.

La cabina en sí, es una gran inspiración a los pájaros y en general a todo el cine de Hitchcock, el cual tenía una recurrente obsesión de encerrar a sus personajes en cabinas telefónicas como en “Rebeca” o el momento de “Los pájaros” en que Daniel se refugia en una cabina, convirtiéndose así en un ave dentro de una jaula.

Ya en los últimos minutos vemos como llega a su destino final, este último identificable con “Metrópolis” de Fritz Lang, ese expresionista lugar donde llegan todos los que un día se quedaron encerrados en esa cabina rojo sangre, rojo muerte y rojo España.

LA CABINA EN RTVE

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Antonio Mercero en tu Biblioteca

Dogville y la moral humana por Luis Fernando Coello Paredes, alumno de la UC3M

2010-04-09T18:24:00.004+02:00

Lars von Trier nos presenta una de las apuestas más arriesgadas de la anterior década. A este genio danés se le metió la idea de demostrar a la gran industria del cine, que en el fondo, en los sentimientos, en la fibra moral humana está la esencia de este gran arte llamado cine. Está claro que con Dogville como primera muestra de su trilogía Estados Unidos: Tierra de oportunidades lo consiguió.

Dogville se nos presenta como un pequeño pueblo montañés americano en plena Gran Depresión, una época muy dura para Estados Unidos y Alemania especialmente. En esos duros años treinta, donde para Dogville también es una época mala, un día aparece Grace huyendo de unos gánsters que la persiguen por alguna razón desconocida. Tom, un aspirante a escritor y filósofo, que es además un guía seudopolítico del pueblo, encuentra a Grace y la esconde en un primer reconocimiento de los gánsters. Estos le dicen a él que si ve algo sospechoso que les llame al teléfono de una tarjeto que éstos le entregan. Tom, muy decidido a mostrar la bondad de la gente humilde de Dogville y prendade de Grace, le propone a esta muchacha de ciudad que se esconda en el pueblo, que él se encargará de convencerles para que la acojan y la esconda. Finalmente, tras una reunión general del pueblo, muy bien llevada por Tom, el dócil pueblo de Dogville accede. Así para empezar a pagar un tributo al pueblo Grace empieza a hacer cosas que la gente de dogville no necesita. La relación entre el pueblo y la muchacha florece. También nace el amor entre Tom y Grace. Pero en el creciente ascenso de buenos sentimientos todo da un cambio radical. Y hasta aquí puedo leer.

Filmada en un escenario similar a un teatro donde las casas, las calles, los árboles y hasta los perros son meras líneas blancas pintadas sobre un suelo negro. Es por esa estética minimalista, llevada al extremo, por lo que este film se convierte en una apuesta muy peligrosa. Gracias a Dios que se le ocurrió la mente brillante de Lars von Trier, porque es una idea ingeniosa, pero que mal llevada puede dar al traste con toda la película. Escrita por el mismo Lars, cuenta con un reparto encabezado por Nicole Kidman (fantástica en toda la película) y una serie de geniales actores que dan vida al pueblo perro, entre ellos destacar a Lauren Bacall o al protagonista masculino Paul Bettany.

Cuenta además con un guión muy sólido, lleno de moral von Trier y críticas a la bondad interesada de los pobres o al paternalismo condescendiente de los ricos, cosas que muy a menudo pasan en Estados Unidos. Es un gran repaso a la reinante hipocresía americana que existe todavía. Se puede hablar de una dirección buena por parte de von Trier, pero que me dejó un mal sabor de boca, porque los planos (entiendo que sea complicado buscar buenos planos en un fondo negro pero aún así es criticable) y ciertos movimientos eran muy extraños, ciertamente mal llevados.

Estrenada en 2003, fue una de las grandes de Cannes aunque no recibió ningún premio, pero se llevó los aplausos generalizados de la crítica. Cuenta con dos versiones, una original de tres horas y otra recortada a dos (yo os recomiendo la segunda, porque está más concentrada y se hace mas divertida).

Entrando un poco en la figura de Lars von Trier, es un cineasta danés muy particular. Cuenta con películas como Europa (1991), Rompiendo las olas (1996) o la genial Bailar en la oscuridad (2000), esta última protagonizada por la cantante Björk. Es co-creador y promotor del Dogma 95, un movimiento de cineastas que enfatiza más la historia que las formas de presentarla (no tiene postproducción, por ejemplo).

Actualmente esta trilogía americana cuenta con la segunda parte Manderlay (2005). La tercera parte Washington, prevista para 2007, se ha retrasado hasta quizás este o el siguiente año

Finalmente, a pesar de lo referido a su dirección, su magnética historia, los fabulosos personajes y el increible detalle con el que se describe el pueblo, la convierte en una obra maestra de Lars von Trier digna de ver en cualquier momento que tengas tiempo porque luego te hará pensar. Eso os lo garantizo...

Dogville en la biblioteca

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The time has come... por Tanausú de la Fe, alumno de la UC3M

2010-03-09T19:08:00.013+01:00

Según casi todos los críticos, un año más, la gala de los Oscar ha sido sosa y larga. La verdad es que en esta ocasión no hubo muchas alegrías ni tanta expectación si la comparamos con Hugh Jackman cantando, bailando, presentando y actuando. O con Penélope Cruz y Kate Winslet recogiendo ambas su primer Oscar. Pero a pesar de ello, se ha hecho historia y se ha superado un obstáculo. Cuando Barbra Streisand decía, al abrir el sobre del premio a la mejor dirección, “Well, the time has come…” se despejaban las dudas y la Academia de Cine premiaba a Kathryn Bigelow, como Mejor Directora, la primera mujer en toda la historia de estos galardones. Dedicó el premio a todos los cineastas: "da igual su sexo, lo importante es hacer cine". Bigelow era la cuarta mujer candidata al Oscar a la mejor dirección después de Lina Wertmüller, Jane Campion y Sofia Coppola.

Finalmente la película de Bigelow, En tierra hostil, fue la gran vencedora de la noche con seis premios de los nueve a los que optaba incluyendo mejor película. Sandra Bullock conseguía el premio a la mejor actriz protagonista y Mo’Nique el de mejor actriz de reparto. En el lado masculino, Jeff Bridges y Christoph Waltz, lograban también su reconocimiento.

En la alfombra roja no hubo grandes éxitos. Penélope Cruz con su Donna Karan burdeos y las actrices de Precious, Mo'Nique y Gabourey Sidibe, en azul le otorgaron un poco de glamour a la alfombra. La primera de éstas homenajeó con su color azul y su flor en el pelo el vestuario que llevó Hattie McDaniel al recoger su Oscar. McDaniel fue la primera afroamericana que obtuvo el premio gracias a su trabajo en Lo que el viento se llevó.

En nuestra Biblioteca puedes acercarte a Kathryn Bigelow a través de su film K-19: the widowmaker con Harrison Ford y Liam Neeson.

El capitán Mikhail Polenin (Liam Neeson), oficial respetado y querido de la Armada Soviética, es relevado de su puesto al mando del submarino K-19 por Alexei Vostrikov (Harrison Ford). Vostrikov es un oficial cuyo único objetivo es cumplir las misiones que le encomiendan con una voluntad de hierro. Ambos capitanes se enfrentan continuamente en los puestos de mando y cuando el K-19 ha de poner rumbo al oeste, esquivando las instalaciones de la OTAN, una fuga en el sistema de refrigeración en el reactor del submarino atómico provoca que el núcleo de éste poco a poco vaya aumentando su temperatura. Si alcanza los mil grados, el reactor podría fundirse, provocando una catástrofe. Una explosión nuclear tan cerca de una base de la OTAN podría desencadenar la III Guerra Mundial. Tanausú de la Fe, alumno Uc3m

K-19: the widowmaker en la biblioteca

Tralier k-19: the widowmaker (Youtube, 2'21'')

Los Tenenbaum por Víctor Aertsen, alumno UC3M

2010-02-22T14:56:00.015+01:00

Indudablemente, Wes Anderson es uno de los directores jóvenes más interesantes del panorama norteamericano contemporáneo. Un creador digno del apelativo autor (con todas sus connotaciones originales), capaz de rearticular infinidad de influencias –como veremos- para construir un universo particular, reconocible e imitado. Posmoderno hasta las trancas, Anderson nos ofrece una filmografía que recorre referentes y géneros, creando un pastiche tan explosivo como entrañable.

Tras estar 17 años separado de su familia, Royal Tenenbaum (Gene Hackman), vividor cínico y caradura lleno de prejuicios, descubre que su mujer (Anjelica Huston) pretende volver a casarse con un hombre serio, responsable… y de color (Danny Glover). Fingiendo un terminal cáncer de estómago, regresa a casa con la intención de recuperar a su esposa e hijos, Chas (Ben Stiller), Margot (Gwyneth Paltrow) y Richie (Luke Wilson), tres genios prematuros ahora adultos Peter Panes estancados en anhelos y frustraciones de la infancia. La “enfermedad” de Royal los reunirá en la casa familiar, y servirá de excusa para que unos y otros superen rencillas y crisis personales.

Lo que a simple vista podría parecer otra comedia indie norteamericana sobre familias disfuncionales -cuya proliferación debe mucho a Los Tenenbaum- resulta ser un filme lleno de encanto e ingenio, con unos personajes deudores del Peanuts (Snoopy en España) de Charles Schulz y la obra de Salinger, divertidos y extravagantes, ingenuos y entrañables, gregarios empedernidos, habitantes de un universo repleto de juguetes y dibujos legados de una infancia hiperactiva, consumidores culturales obsesos caracterizados por lo que visten y portan, capaces de divertirse como los Beatles en los filmes de Richard Lester o padecer los tormentos de El graduado de Mike Nichols -acompañados y dirigidos por una banda sonora pop heredada de ambos directores. Un universo ya andersoniano –reconocible- que el director pone en escena en cuidadas y coloristas composiciones frontales, simples pero reveladores, como si de un libro ilustrado se tratara -dejando constancia de su deuda con los cuentos infantiles al comienzo de cada “capítulo” de la obra-, filmado con una cámara inteligente, virtuosa à la Welles y dinámica à la Scorsese, que ante todo trata con cariño a unos personajes y un entorno que el director adora, y nosotros acabaremos amando. Víctor Aertsen, alumno UC3M.

Tráiler The Royal Tenenbaums

Las Horas, Virginia Woolf... sí quiero por Tanausú de la Fe, alumno Uc3m

2010-02-02T19:57:00.015+01:00

Comienza febrero y el mes va de mujeres, si cuatro neoyorquinas protagonizan la sección Series, Las Horas harán lo propio en la parte de Cine.

Esta novela de Michael Cunningham, que gira en torno al libro de Virginia Woolf La señora Dalloway, fue dirigida para la gran pantalla por el británico Stephen Daldry y para ella contó con Nicole Kidman, que ganó el Oscar a la mejor actriz, Julianne Moore y Meryl Streep. Tres de las mejores actrices para dar vida a una historia intensa de tres mujeres de diferentes épocas unidas por sus anhelos y por sus miedos.

La historia se desarrolla a la vez en tres planos espaciotemporales totalmente diferentes. Virginia Woolf (Nicole Kidman) vive en un suburbio de Londres a comienzos de 1920 y, en una lucha constante contra su demencia, comienza a escribir su primera gran novela Mrs Dalloway.
Los Ángeles, años 50, Laura Brown (Julianne Moore) es una esposa y madre que después de la Segunda Guerra Mundial y leyendo la novela comienza a considerar llevar a cabo un devastador cambio en su vida.
Por último, Clarissa Vaughan (Meryl Streep), una versión actualizada en Nueva York de la señora Dalloway de Woolf, vive enamorada de un amigo que está enfermo de SIDA y sin el cual no concibe su vida.

Sin duda lo más emocionante del film es cómo se entrelazan las historias en un final totalmente inesperado. Y la narración cálida, delicada, sentimental y profundamente humana que lo inunda todo en los difíciles momentos vitales de las tres protagonistas. Tres momentos que marcarán sus vidas para siempre. Con una fotografía y enfoques magníficos, Las Horas es una de esas películas que tienen alma. Tanausú de la Fe, alumno Uc3m.

Tráiler Las Horas (Youtube, inglés, 2'28'')

La cuadrilla de los 11 por Víctor Aertsen, alumno UC3M

2010-01-14T17:23:00.017+01:00

Es Navidad en Las Vegas, y el Año Nuevo parece un gran momento para llevar a cabo un gran robo. O eso es lo que plantea Danny Ocean (Frank Sinatra) a sus 10 excompañeros de armas de la II Guerra Mundial: ¿por qué no sacar provecho a tantos años de maniobras y misiones? Así comienza, tras una maravillosa secuencia de créditos de Saul Bass, La cuadrilla de los 11 (1960), penúltima película del ya veterano Lewis Milestone, y fuente del conocido remake que tanto dinero traería en 2001 a Steven Soderbergh.

A finales de los años cincuenta el cine negro comenzaba a apagarse, y La cuadrilla de los 11, es un ejemplo maravilloso de la edulcorada transformación que sufrirá gran parte del cine criminal en la década siguiente. Trabajando sobre temas recurrentes del género, Milestone nos ofrece un caper socarrón, liviano, sin pretensiones, que no busca alzarse como retrato o metáfora social (los problemas de los personajes son los estrictamente necesarios para motivar su implicación en el golpe), donde el claroscuro es puro maquillaje y el tono desesperado y fatalista del género se ve sustituido por un optimismo y una despreocupación propios de la “década dorada” que va a comenzar, una jovialidad próxima a las cercanas narraciones pop donde todo vale y las cosas siempre salen bien (y si salen mal, tampoco tiene demasiada importancia).

Puede que la película no sea una obra maestra, puede que resulte algo lenta en la primera mitad (debido a una fatigosa presentación de personajes a la que Soderbergh daría mayor dinamismo en su versión), pero una vez que la maquinaria está engrasada el filme rueda de maravilla hasta su espléndido final. Y toda crítica negativa queda eclipsada por el placer de ver al famoso Rat Pack en acción. Están todos: Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford y Joey Bishop protagonizan la película (acompañados del noir Richard Conte), a los que se les unen Angie Dickinson y, en un pequeño cameo, Shirley MacLaine. Y están en su ambiente: Las Vegas en su edad dorada, cuando la Ciudad del Pecado aún tenía (su) clase y (su) elegancia, llena de esmoquins y vestidos largos, tabaco y martinis, seductores neones que aún no saturaban, glamurosas fiestas donde en el juego parecía no haber perdedores, y músicos que se integraban entre el público una vez terminada su actuación. Sinatra y sus amigos no actúan, hacen de sí mismos, llegando Dean Martin y Sammy Davies Jr a interpretar alguna de sus habituales canciones dentro del filme.

Divertida y ligera, La cuadrilla de los 11 es una película perfecta para “pasar un buen rato”, dos horas de despreocupado entretenimiento lleno de glamour. Víctor Aertsen, alumno UC3M.

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Tráiler La cuadrilla de los 11 (3' 11'')

Cinema Paradiso, una historia de amor al cine por Luis Fernando Coello Paredes, alumno Uc3M

2009-12-11T16:11:00.013+01:00

Cinema Paradiso es la segunda película del reputado director Giuseppe Tornatore y quizás su obra maestra. Cuenta con guión del mismo director (totalmente autobiográfico) y banda sonora del ya mítico Ennio Morricone.

La película nos pone en la piel de Salvatore, un afamado director que tiene una vida algo dispersa y una noche recibe un aviso, desde su pueblo natal, de que su amigo Alfredo ha muerto. Desde este momento Salvatore recuerda toda su infancia vivida en Giancaldo, el pueblo siciliano donde nació, y su relación con Alfredo, el técnico de proyección del teatro reconvertido en cine llamado “Cinema Paradiso”. Dicha relación hace que Toto, que es el mote que tiene Salvatore en el pueblo, logre acceder a la sala de proyección y a través de su peculiar maestro conozca los secretos de la proyección y además vea decenas de películas. Tras un grave incendio del Cinema Paradiso, del cual sale afectado Alfredo, Toto siendo aun un niño toma las riendas del reconstruido Cinema Paradiso. Es a partir de aquí que nos narra la evolución de ese niño hasta que se convierte en un adolescente con sus correspondientes amoríos y gamberradas. Toda esta historia siempre gira alrededor del cine, de la sala de proyección y del cascarrabias Alfredo mientras se nos muestran homenajes a cientos de películas y un final que profundiza aun más este aspecto.

Existen dos versiones sobre esta película, una es la versión recortada que salió para los cines internacionales con una duración de 123 minutos y la versión italiana que consta de 155 minutos y profundiza mucho más en el gran amor adolescente de Toto. Este recorte se debió a que en Italia la película no funcionó muy bien en taquillas, por lo que se decidió hacer este recorte para su versión internacional. Tras larga espera en 2002 se edita en DVD la versión del director con 173 minutos donde se atan muchos cabos sueltos de las anteriores versiones.

A la cabeza del reparto está el francés Philippe Noiret interpretando a Alfredo, que en esta película nos ofrece una de sus mejores actuaciones para el cine. Por otro lado poniéndole rostro a Toto encontramos al pequeño Salvatore Cascio, que con tan solo diez años nos muestra la cara más gamberra e imaginativa de Toto. Por otro lado el Toto adolescente y pasional nos los ofrece Marco Leonardi, que se estrena en el cine con esta película de una manera extraordinaria, lo que le llevará a protagonizar cinco años después Como el agua para el chocolate del mexicano Alfonso Arau. Y finalmente otro francés cierra la terna principal, Jacques Perrin, como el Salvatore mayor y consagrado director que en la versión reducida tiene poco peso pero en el resto de versiones se ve su calidad interpretativa.

La película gano tanto el Oscar como el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa en su año. Además arraso en Europa con cuatro premios BAFTA (mejor película de habla no inglesa, mejor actor (Phillippe Noiret), mejor actor de reparto (Salvatore Cascio) y mejor guión original)y el premio del jurado de Cannes.

Se trata de una melodía visual que nos lleva por una pequeña y romántica historia del cine europeo. Luis Fernando Coello Paredes, alumno Uc3M

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Nuovo Cinema Paradiso
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The Reader y la magia de la lectura en tiempos difíciles por Tanausú de la Fe. Alumno UC3M

2009-11-27T17:36:00.014+01:00

Antes de llegar al cine, El lector fue, como cabría esperar, una novela escrita por el alemán Bernhard Schlink y publicada en 1995. El libro recibió muy buenas críticas internacionalmente sobre todo por el estilo preciso, la narración directa y la manera en la que el autor confrontaba el pasado nazi.

Situémonos en la Alemania de la segunda mitad del siglo XX, en Heidelberg mientras una intensa lluvia lo empapa todo… Hannah Smith es una mujer madura, seria y reservada que vuelve a casa después de trabajar como cobradora del tranvía municipal. En su camino se cruza Michael Berg, que recorre la ciudad en bicicleta y se siente indispuesto. Ésta le ofrece ayuda e inesperadamente comienza una relación con un adolescente al que le dobla la edad. A ninguno de los dos parece importarle en absoluto. La naturalidad y las largas sesiones de lectura en voz alta de Michael marcan la relación. Los encuentros íntimos son intensos y constantes. Pero un día Hannah desaparece sin más, ni una nota, ni rastro, nada. Ocho años después, y ya en la Universidad, Michael descubrirá amargamente los secretos de su amor idílico de juventud y se percatará de que, realmente, no conocía a la mujer que tanto amaba y que lo marcó para siempre.

El film está dirigido por Stephen Daldry y cuenta con David Kross y Ralph Fiennes, que interpretan el mismo personaje ya que la historia se cuenta desde diferentes momentos espacio-temporales. Pero si alguien por su interpretación le da un valor más que sobresaliente a la película es Kate Winslet. La dicción fue especialmente dura para este papel, pero la actriz británica está abrumadora, soberbia, transmite una interiorización absoluta de la historia y de la propia Hannah. Esta producción la ha catapultado aún más y ha recibido dos de los galardones más importantes de la industria cinematográfica: el Globo de Oro a la mejor actriz de reparto y el Oscar a la mejor actriz (después de haber sido nominada en cinco ocasiones para cada uno de ellos). Con Revolutionary Road (otra historia con un personaje femenino muy potente) obtuvo el Globo de Oro a la mejor actriz en la misma ceremonia.

Aclamada por crítica y público. Una historia dura, inesperada e intensa… No espere más para descubrir The Reader… Tanausú de la Fe. Alumno UC3M

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Trailer The Reader. El Lector (español)
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Déjame Entrar por Blanca Madrid. Alumna UC3M

2009-11-13T18:57:00.019+01:00

Cuando todo parecía indicar que el género de vampiros estaba abocado a regodearse una vez más en sus explotados estereotipos, apareció en nuestras pantallas esta pequeña joya para darle la vuelta a todas nuestras expectativas.

Dirigida por el realizador sueco Tomas Alfredson, Déjame entrar está basada en la n ovela homónima escrita por John Ajvide Lindqvist. La cinta cuenta la historia de Oskar, un niño de 12 años que sufre acoso por parte de sus compañeros de colegio. Todo cambia cuando conoce a su nueva vecina, Eli, una niña con la que entabla una fuerte amistad a pesar de los misterios que la encubren: es seria, pálida y sólo sale por las noches. Oskar relacionará pronto la llegada de su nueva amiga con el aumento de crímenes violentos que han sucedido en su ciudad.

Sin renunciar al espíritu romántico que acompañan normalmente a este tipo de historias, Déjame entrar es una crónica violenta y sentimental ambientada en un entorno infantil, no por ello menos crudo. Lindqvist y Alfredson realizan un sincero homenaje al imaginario vampírico, tomándose muy en serio la figura de los no muertos y huyendo de la estética “videoclipera” que se ha repetido película tras película durante las últimas décadas.

Eli cumple todos los estereotipos del vampiro clásico, dejando a un lado los esteticismos baratos de las películas para adolescentes: necesita alimentarse de sangre para sobrevivir, tiene un aspecto triste y demacrado, ha de ocultarse de la luz del sol y no puede entrar en casa de nadie si no ha sido invitada. Sin embargo, el relato parte de una base estremecedoramente realista al contar la historia de amor entre dos niños cuyas circunstancias los apartan del mundo al que deberían pertenecer; dos criaturas sedientas de cariño, pero con un instinto de venganza profundamente humano. Esta humanidad es, sin duda, la que consigue que nos identifiquemos con la mirada de los protagonistas y la que refleja el entorno monótono de una sociedad apática y fría, como el paisaje que la envuelve.

Honesta, conmovedora y marcadamente europea, Déjame entrar se presenta como alternativa a las actuales obras del género rebosantes de testosterona, volviendo a las formas clásicas, misteriosas y sobrecogedoras de las leyendas que han teñido desde siempre el imaginario popular. Blanca Madrid. Alumna UC3M.

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Déjame entrar

Trailer "DÉJAME ENTRAR"

Planet Terror por Víctor Aertsen, alumno UC3M

2009-10-29T17:13:00.002+01:00

Primera entrega (según el orden de estreno) de Grindhouse, proyecto-homenaje del tándem Tarantino-Rodríguez a las salas de cine de igual nombre que se dedicaron durante los años sesenta y setenta al pase de películas exploitation: cine de bajísimo presupuesto, heredero directo del pulp fiction, que explotaba el poder de atracción de la violencia, el sexo, el terror, el exotismo, lo bizarro y el humor más escabroso para llenar las salas. Un cine temáticamente casposo e hiperbólico donde cualquier “parecido con la realidad es pura coincidencia” y es inmediatamente barrido por una nueva vuelta de tuerca a la trama, al género, e incluso a la historia del cine.

Baste de ejemplo de todo ello la historia que Rodríguez presenta en este homenaje: en una pequeña área de Texas, el gobierno está experimentando con una nueva arma química. Un “insatisfactorio” negocio entre un bioquímico avaricioso y un escuadrón de soldados anárquicos lleva a la liberación del virus, capaz de transformar a la población en putrefactos zombis. Y los personajes están a la altura de semejante trama: una stripper a la que le falta una pierna, un heroico y legendario conductor de grúa, una pareja de doctores en profunda crisis matrimonial y de identidad sexual, dos niñeras gemelas hiperviolentas, un sucio cocinero sureño…

Acertadamente ambientada por Rodríguez en la Texas más profunda, símbolo (creado por la propia cultura norteamericana) de ese redneckismo radical en muchos casos más cercano al argumento de una película exploit que a la realidad contemporánea, la película se alza como un divertido recorrido por los lugares comunes, tanto temáticos como estéticos, de su amado cine de serie B y Z. Ensombrecida por su película hermana, Death Proof, que transita los mismos caminos de una forma formalmente más exhibicionista y estética y temáticamente más cuidada y estilizada, Planet Terror puede resultar más tosca y vulgar, pero presenta algo que no ofrece aquella: el verdadero espíritu exploit, tan zafio, cutre, sucio, gratuito, incorrecto, irreverente, maravillosamente absurdo y casposo como se pueda imaginar. Mientras que Tarantino nos ha ofrecido un deslumbrante homenaje nostálgico a éste tipo de cine, Rodríguez ha sido capaz de introducir en el aséptico panorama cinematográfico contemporáneo una verdadera película exploit del siglo XXI. Victor Aertsen. Alumno UC3M

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Planet Terror Trailer Español

El Intercambio (Changeling) por Tanausú de la Fe, alumno Uc3m

2009-10-15T18:17:00.001+02:00

Sensible, dura, humana…

Clint Eastwood, respetado y aclamado actor y director de cine, le rinde a éste un nuevo homenaje narrando una historia real ocurrida en Los Ángeles en 1928.

Un fin de semana cualquiera, Christine Collins (Angelina Jolie), madre soltera, se despide de su hijo Walter de nueve años para acudir a su trabajo de teleoperadora. Cuando vuelve a casa se tendrá que enfrentar al mayor terror de cualquier madre: su hijo ha desaparecido.
A partir de aquí su vida da un giro de 360 grados. La policía corrupta de Los Ángeles le entrega un niño que no es el suyo, aunque éste, bien adiestrado, responde al nombre de Walter y la llama mamá. Ella no cesa en la lucha por encontrar a su verdadero hijo, la consideran una loca e incapacitada pero le llega un aliado, el reverendo Briegleb (John Malkovich). Éstos no sospechan la terrible y dramática historia que hay detrás de la desaparición del pequeño Walter.

Narrada y filmada de una manera majestuosa, Clint Eastwood continúa sobrecogiendo a la crítica y al público. Desde hace años filtra a través de la cámara historias de diferentes temáticas con una sensibilidad extraordinaria y se ha convertido en un director indispensable. Sus películas van conformando todo un mundo de crítica y reflexión hacia actitudes, maneras arcaicas de pensar, patriotismo exacerbado o violencia. Es uno de los directores habituales en los certámenes de cine más prestigiosos del mundo y son innumerables los merecidos premios que ha recibido durante su trayectoria cinematográfica y, especialmente, en estos últimos años. Changeling, el título original del film, es sin duda otra de esas historias intensas que hacen vibrar al verla por la mezcla tan fuerte de muy diferentes sentimientos. Tanausú de la Fe, alumno Uc3m

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Trailer de El Intercambio (español, 2'08'')

Trailer El Intercambio (Español)
por CINeol

Soy un cyborg por Javi López-Bueno. Alumno de UC3m

2009-05-15T19:43:00.001+02:00

El director coreano Park Chan-wook cambia de registro y abandona la poesía plástica de la violencia mostrada en trabajos anteriores como "Oldboy", para crear en esta "Soy un cyborg" una comedia esquizoide de personajes disfuncionales que se aproximan más al esperpento de Valle Inclán, pasado por el filtro de este coreano, que a la tan mencionada obra de Milos Forman "Alguien voló sobre el nido del cuco" con la que se ha comparado en diferentes lugares y en muchas ocasiones.
"Soy un cyborg" es la historia de Young-goon, una joven ingresada en un psiquiátrico, que cree ser un cyborg y se niega a ingerir comida porque considera que un ser cibernético sólo necesita electricidad. El encuentro con un joven que se oculta tras una máscara dará fruto a una curiosa relación.
La anorexia, los patrones de abandono y la ausencia materna, son los temas de trasfondo de una humanidad que se representa cada vez más sola y desamparada en un mundo cada vez más robotizado donde los gritos de auxilio son prácticamente inaudibles entre tanta tecnología.
"Soy un cyborg" crea con su frenético montaje pequeños juegos de narración donde, a veces, el relato no es más que un futurible propio de las pulsiones de sus personajes que marcan el tono paranoico de este film para sorpresa y gozo del espectador. Los saltos y las piruetas en el espacio y en el tiempo, orquestadas por una excepcional banda sonora, crean en "Soy un cyborg" una atmósfera entre lo irreal, lo enfermizo y lo soñado que hacen de esta película una maravillosa comedia circense con pinceladas de cuento de hadas.
Park Chan-wook, en aras ya de estrenar su último trabajo "Thirst", traspasa la frontera de lo local, virtud y pecado del cine asiático, con esta fantasía que nos arrastra por la comicidad del absurdo universal. Javi López-Bueno. Alumno de UC3m.

"Soy un cyborg" en la biblioteca

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